Yoko Ono : ses 20 plus grandes chansons – classées !

À l’occasion du 50e anniversaire de son album Feeling the Space, nous évaluons les meilleures chansons d’une artiste audacieuse et souvent sous-estimée.

Sommaire

• 20. John, John (Let’s Hope For Peace) (1969)
• 19. Born in a Prison (1972)
• 18. I Missed You Listening (2012)
• 17. Open Your Box (1971)
• 16. Talking to the Universe (1995)
• 15. I Want You to Remember Me ‘A’ & ‘B’ (2001)
• 14. Waiting for the D Train (2009)
• 13. I Don’t Know Why (1981)
• 12. The Sun Is Down ! (2009)
• 11. Yes, I’m a Witch (2007)
• 10. Moonbeams (2013)
• 9. Death of Samantha (1973)
• 8. Goodbye Sadness (1981)
• 7. Don’t Worry Kyoko (Mummy’s Only Looking for Her Hand in the Snow) (1969)
• 6. Listen, the Snow Is Falling (1971)
• 5. Mrs Lennon (1971)
• 4. Every Man Has a Woman Who Loves Him (1980)
• 3. Why (1970)
• 2. Walking on Thin Ice (1981)
• 1. Mindtrain (1971)

20. John, John (Let’s Hope For Peace) (1969)

“J’avais l’impression que des soldats mouraient à côté de moi”, a déclaré le bassiste Klaus Vormann à propos de l’improvisation décapante dirigée par Ono qui a mis fin au concert du Plastic Ono Band au festival Rock and Roll Revival de Toronto. Un torrent interminable et agonisant de larsens et de cris, aussi conflictuel que tout ce que le rock de la fin des années 60 a pu produire.

19. Born in a Prison (1972)

Personne ne prétendra jamais que le très politisé Sometime In New York City fait partie des chefs-d’œuvre post-Beatles de John Lennon, mais il n’est pas dépourvu de points forts. Parmi eux, Born in a Prison, l’une des premières tentatives les plus réussies d’Ono pour écrire des chansons simples et mélodiques : les paroles sont meilleures que celles de Lennon, qui se contentait d’un discours politique à l’emporte-pièce.

18. I Missed You Listening (2012)

A quoi ressemblerait une collaboration entre Yoko Ono et les membres de Sonic Youth – S Club 7 ? Les guitares désaccordées de I Missed You Listening, les bruits tour à tour hurlants et grinçants et les improvisations vocales nerveuses durent près de 15 minutes atonales et arythmiques. C’est un défi à l’écoute, mais il y a quelque chose de délicieux dans son attitude de non-prisonnier.

17. Open Your Box (1971)

Open Your Box existe dans un espace très étrange. Il traite ostensiblement de la liberté sexuelle, mais Ono semble presque étouffée de fureur sur le fabuleux accompagnement avant-funk – presque proto-baggy – de Lennon, Ringo Starr et Klaus Vormann. Ses paroles ont été interdites, mais les radios n’étaient pas pressées de la jouer.

16. Talking to the Universe (1995)

Les tentatives d’Ono de se réinventer en tant qu’artiste pop/rock grand public dans les années 80 ont été un désastre, mais les années 90 ont apporté une renaissance artistique, aidée par son fils, Sean : Rising de 1995 a équilibré chansons et expérimentations et, de plus, sonnait moderne et branché, comme sur le dur mais dansant Talking to the Universe.

15. I Want You to Remember Me ‘A’ & ‘B’ (2001)

Yoko Ono était manifestement une dure à cuire au départ, mais elle s’est adoucie avec l’âge, ce qui nous amène à l’ouverture en deux parties de Blueprint for a Sunrise (2001), une méditation tour à tour furieuse et angoissante sur la violence domestique, partagée entre le spoken word et un funk-rock effrayant, imprégné d’échos et d’Ono-strafiqué.

14. Waiting for the D Train (2009)

L’une des joies du Plastic Ono Band dirigé par Sean Lennon est la façon dont ils ont adopté l’approche exploratoire de leurs prédécesseurs du début des années 70, tout en y insufflant une énergie fraîche et punk : Waiting for the D Train roule comme le métro en question, le cadre parfait pour qu’Ono se déchaîne.

13. I Don’t Know Why (1981)

Il y a eu de nombreuses réponses musicales à la mort de John Lennon, mais aucune n’a été aussi crue et déchirante que la chanson qu’Ono a écrite le lendemain de son assassinat. La musique est un rock new wave tendu, les paroles sont une terrible purge d’égarement et de fureur : “Vous, les salauds, vous nous haïssez, vous me haïssez – nous avions tout”.

12. The Sun Is Down ! (2009)

Outre les improvisations redoutables du Plastic Ono Band des années 70, les albums les plus récents d’Ono s’appuient sur l’acceptation qu’elle a reçue sur les pistes de danse new-yorkaises. The Sun Is Down ! pose sa voix sur un support extrêmement efficace de pulsations disco et d’une tapisserie d’électronique scintillante et de lignes d’acide étouffantes.

11. Yes, I’m a Witch (2007)

Enregistrée pour la première fois en 1974 pour l’album inédit A Story, et disponible pour la première fois en 1992 dans le cadre de la collection de six disques Onobox, la meilleure version de Yes, I’m a Witch provient de l’album de remixes de 2007 du même nom. Elle abandonne le funk lisse de l’original pour des guitares déchiquetées, meilleur décor pour la réplique sournoise d’Ono à ses détracteurs : “Je vais rester dans les parages pendant un bon moment”.

10. Moonbeams (2013)

Au moment où elle a enregistré son dernier album de nouveaux morceaux, Take Me to the Land of Hell, Ono avait 80 ans. Vous ne le sauriez pas en écoutant Moonbeams, qui passe, de manière saisissante, de l’électronique douce et du spoken word à l’alt-rock chaotique et bruyant – avec Ono en mode death wail – et vice-versa.

9. Death of Samantha (1973)

Sur son troisième album solo, Approximately Infinite Space, Ono se montre de plus en plus féministe et sûre d’elle dans l’écriture de ses chansons, comme en témoigne le subtilement bouleversant Death of Samantha – un rock discret des années 70, traversé par des paroles dérangeantes – qui a également donné lieu à une superbe reprise par Boy George et Sinéad O’Connor.

8. Goodbye Sadness (1981)

La majeure partie de Season of Glass (1981) a été écrite des années avant l’assassinat de John Lennon : Goodbye Sadness ne l’a manifestement pas été. Doucement chantée, elle a l’air – et le saxo – d’une ballade des débuts du rock’n’roll ; les paroles sont une tentative d’exorciser le chagrin qui, malheureusement, sonne plus comme un espoir que comme un accomplissement.

7. Don’t Worry Kyoko (Mummy’s Only Looking for Her Hand in the Snow) (1969)

Juste au cas où un Beatle sortant un single décrivant de manière crue le sevrage de l’héroïne n’était pas assez intransigeant, tous ceux qui ont retourné Cold Turkey ont été frappés par Don’t Worry Kyoko … Un riff bluesy, superposé à la plainte désespérée d’Ono, décrit par Lennon comme “l’un des putains de meilleurs disques de rock’n’roll jamais réalisés”.

6. Listen, the Snow Is Falling (1971)

Cachée sur la face B de Happy Xmas (War Is Over) se trouve la magnifique chanson de Noël d’Ono, dont la mélodie soupirante est agrémentée de cloches de traîneau et de carillons. Si vous n’arrivez vraiment pas à vous entendre avec sa voix – d’une manière ou d’une autre, c’est plus un goût acquis lorsqu’elle chante que lorsqu’elle crie -, allez voir la reprise magique de Thea Gilmore, datant de 2009.

5. Mrs Lennon (1971)

Les meilleurs morceaux des deux premiers albums d’Ono sont presque toujours des improvisations farfelues, mais l’austère Mrs Lennon est l’exception : les paroles suggèrent qu’être l’épouse controversée d’un Beatle n’est pas très amusant ; la belle séquence d’accords mélancolique a ensuite été reprise en gros par Big Star sur leur chanson Holocaust en 1978.

4. Every Man Has a Woman Who Loves Him (1980)

Les contributions de John Lennon à l’album de retour Double Fantasy tendaient vers un rock classique bien ficelé, mais celles d’Ono semblaient être l’œuvre d’une personne sensible aux développements post-punk plus actuels : le fabuleux et langoureux hybride post-disco/reggae de Every Man Has a Woman Who Loves Him semble certainement s’inspirer de l’album Warm Leatherette de Grace Jones, récemment sorti.

3. Why (1970)

La correspondance entre les albums d’Ono du début des années 70 et les expérimentations contemporaines du Krautrock est fascinante : le rythme hypnotique de Why (bien qu’avec un ton très Ringo) est nettement motorique. En outre, tout dans ce morceau, de la façon dont il prend soudainement vie, apparemment à mi-parcours, à la voix d’Ono qui déchire la gorge, est une confrontation passionnante.

2. Walking on Thin Ice (1981)

John Lennon était convaincu que le troublant mais dansant Walking on Thin Ice serait un single numéro 1. Il se trompait, mais ce titre est devenu à juste titre un hymne dans les clubs new wave post-disco de New York, un environnement qui acceptait mieux l’approche avant-gardiste d’Ono, en particulier lorsqu’elle était encadrée par une ligne de basse hyper funky et des éclats déchiquetés de guitare post-punk.

1. Mindtrain (1971)

Franchement, si Mindtrain avait été publié non pas par la femme de John Lennon mais par Can – le groupe auquel ressemblent le plus ses rythmes funk lâches mais implacables, ses éclats de guitare abstraite et ses voix sauvages et plaintives -, il aurait été salué comme un chef-d’œuvre du rock d’avant-garde il y a plusieurs dizaines d’années. Au lieu de cela, il a été accueilli avec perplexité et dérision. Mais oubliez les détracteurs, écoutez le jeu vibrant qui suggère que Lennon s’amusait comme une baleine, perdez-vous dans son groove et le son d’Ono – selon les mots de son mari – “faisant son truc tout autour de vous” : c’est un disque fantastique.