Il y a tout juste trois ans, dans “Simmer”, le premier single de Hayley Williams’ premier album solo Pétales pour armure, grogna-t-elle, “La rage est une chose tranquille, tu penses que tu l’as apprivoisée, mais elle est juste à l’affût.” La rage n’est pas un sentiment rare trouvé à l’intérieur de Paramore discographie – il suffit de regarder le hit percutant du groupe “Affaires de la misère”, un hymne pop brûlant et imprégné de punk qui vibre avec lui. Mais c’était il y a 16 ans. Williams n’est pas le même, Paramore n’est pas le même, et avec le temps est venue la maturité. Leur rage n’est plus sans filtre, la frustration des adolescents crachant sur des riffs de guitare fulgurants – cela ne fait pas longtemps. Maintenant, c’est contrôlé, utile, et c’est ce qui imprègne le sixième album studio de Paramore C’est pourquoi.
On pourrait dire que ça fait juste partie de la métamorphose du groupe. Depuis le disque éponyme du groupe en 2013, Williams, le guitariste Taylor York et le batteur Zac Farro défient les contraintes du genre, ne craignant jamais le changement et travaillant constamment à affiner leur son. Mais ce n’est qu’au dernier album de Paramore Après le rireque le changement était vraiment palpable.
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Après une pause de six ans, l’évolution du groupe est plus perceptible que jamais. Si Après le rire grouillait de pop pétillante inspirée des années 80, C’est pourquoi est son alter ego maussade – un album ancré dans un malaise teinté de post-punk et imprégné de l’influence du rock indé des débuts comme Maximo Park, Yeah Yeah Yeahs et Bloc Party. Moins poli, plus primal.
Ca a du sens. Entre les cycles d’albums, le chef du groupe Williams a divorcé et a sorti deux disques solo sombres, lourds de synthé et profondément personnels. Donc C’est pourquoi est angoissé, mais ce n’est pas l’angoisse des adolescents qui définissait autrefois le trio de Nashville. C’est l’angoisse du millénaire, celle qui touche particulièrement la foule de la fin des années vingt, du début des années trente ; le genre qui vient d’une gueule de bois pandémique, d’un malaise politique, d’une dépression, d’une perte et de la solitude. En bref, la majorité des fans de Paramore peuvent s’y rapporter intimement. Et s’ils ne l’ont pas fait ces deux dernières années, c’est sûr qu’ils le font maintenant.
Tout au long de l’album de 10 titres, Paramore danse habilement la douleur politique et personnelle des dernières années. Ouvreur “C’est pourquoi” canalise Talking Heads et parcourt la paranoïa rampante de l’isolement, tandis que l’hymne teinté de maths rock “Les nouvelles” affronte l’horreur du cycle médiatique. “Figure 8” souligne le paysage sonore granuleux des années 2005 Tout ce que nous savons est en train de tomber et 2007 Émeute! alors que Williams tourne en spirale sur des touches frénétiques et des riffs de guitare fulgurants. “Big Man Little Dignity” évoque la voix plumeuse de Stevie Nicks qui livre un démontage cinglant. “Vous gardez la tête haute, opérateur lisse dans un costume taché de merde”, grogne Williams.
Le groupe entre en territoire expérimental avec “C’est Comme Ça,” un tourbillon post-punk de panique et d’autodérision qui sera probablement un choc pour les fans de Paramore qui ont sauté à bord après avoir été charmés par “Garçon de couleur rose.” Plus de coups de guitare anxieux sur “Manquer de temps,” une chanson inspirée d’un souvenir avec Taylor Swift, Williams vient à la dure réalisation que de nombreuses personnes approchent de la quarantaine: ce temps n’est pas fini.
Mais c’est le propulsif “You First” qui est peut-être le plus remarquable de l’album, faisant apparemment un signe de tête à “Misery Business” et à la philosophie pop-punk persistante du groupe. “Je pensais que je me calmerais en vieillissant, je ne peux pas secouer le diable assis sur mon épaule”, entonne Williams.
Le dernier trio de morceaux révélateurs de l’album est beaucoup plus downtempo que le reste de l’album. Sur «Crave», aux influences surf-pop, Williams se débat avec la pleine conscience. “Juste une seconde, tout m’a semblé simple, ça me manque déjà”, chante-t-elle avec une mélodie mélancolique. “Liar” est une ballade tendre sur l’acceptation d’avoir des sentiments amoureux pour quelqu’un qui évoque le rock onirique des années 70 de Fleetwood Mac. Le moment le plus calme du disque est son “Thick Skull” plus proche jusqu’à ce qu’il explose en un crescendo cinématographique – une finale époustouflante après un voyage à travers le spectre émotionnel.
C’est pourquoi n’est pas seulement impressionnant pour son expérimentation sonore, mais pour la manière dont il dépeint avec justesse la colère universelle que les millénaires ont ressentie ces dernières années. Cette rage a peut-être changé de forme, mais elle a transformé leurs cris primaires, leurs riffs de guitare fébriles et leurs paroles mordantes en leur travail le plus ambitieux à ce jour.
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