La musique a toujours entretenu une relation d’amour et de haine avec la technologie. En Amérique, en 1942, les douces chansons qui s’élevaient contre les horreurs de la guerre ont été soudainement réduites au silence à la suite d’une grève des interprètes. Les bandes sonores enregistrées et l’essor des juke-boxes signifiaient que les concerts dans les bars ou les fosses d’orchestre des cinémas diminuaient rapidement. Les musiciens ont donc pris position et déclaré qu’ils n’entreraient pas dans les studios tant qu’il ne serait pas clairement établi que les bandes sonores enregistrées ne les mettraient pas au chômage. Quelques décennies plus tard, les Beatles allaient se moquer de cette grève en abandonnant complètement le circuit des concerts et en vivant uniquement du studio.
Même plus d’un demi-siècle plus tard, alors qu’il ne reste plus que deux membres, le groupe est toujours à l’avant-garde des nouvelles technologies, embrassant la redoutable intelligence artificielle pour réaliser leur 21e single numéro un, « Now and Then ». Cet esprit intrépide a toujours fait partie de la tradition du groupe. En fait, les Fab Four se sont approprié une technologie révolutionnaire avant même que le monde n’ait eu l’occasion d’en imaginer les permutations possibles.
« Il est tout à fait normal que les gens soient intimidés par la puissance des nouvelles technologies », a récemment déclaré à Far Out Yihao Chen, fondateur d’ITOKA, une start-up musicale basée sur l’IA. « Il peut y avoir des arguments ou des opposants à l’adoption des nouvelles technologies. Mais vous savez déjà que les Beatles ont adopté avec succès le synthétiseur au tout début, en l’utilisant dans un grand nombre de leurs chansons célèbres, et que cela a été un succès ! Aujourd’hui, tout le monde les aime et admire la façon dont ils ont adopté les nouvelles technologies comme source sonore dans la musique ».
Non seulement cette démarche est aujourd’hui célébrée comme joyeusement innovante, mais à l’époque, les mécanismes de ce qu’ils faisaient étaient à peine déchiffrables dans le flou d’un son frais et original. Ce n’est que des années plus tard que l’industrie musicale a lancé une réfutation ratée de l’essor des synthétiseurs. Une fois de plus, le sanglant Barry Manilow se retrouve comme l’antagoniste d’une guerre culturelle. En 1982, il s’apprête à partir en tournée. Dans un souci d’efficacité, il a supprimé son orchestre et l’a remplacé par une sélection de synthétiseurs. Le syndicat des musiciens a détesté cette décision. Le jour de l’anniversaire de l’ignoble pionnier du synthétiseur, Robert Moog, ils décident d’interdire ce nouvel instrument de musique.
Évidemment, ils ont échoué dans leur entreprise et les années 1980 sont devenues la décennie la plus riche en synthétiseurs de l’histoire. Bien que les synthétiseurs aient été bannis de l’Union jusqu’en 1997, cela n’a pas suffi à freiner leur essor. Et les Fab Four ont été une fois de plus le groupe vers lequel de nombreuses personnes se sont tournées pour réfuter la croyance selon laquelle les synthétiseurs étaient en quelque sorte anti-musique. Les Beatles ont défendu le développement artistique avant tout, et ce faisant, ils étaient tout aussi enthousiastes à l’idée d’utiliser un orchestre qu’un Moog ; tout dépendait de ce qui convenait à la chanson. Quoi qu’il en soit, personne ne peut se retourner sur Revolver et affirmer qu’il s’agit d’un faux pas.
Quelle est donc la première chanson pour laquelle les Beatles ont utilisé un synthé ?
De tous les Fab Four, George Harrison était peut-être le plus enclin à adopter de nouveaux sons. Lorsque Robert Moog a dévoilé le synthétiseur modulaire en octobre 1964, son impact a peut-être été discret, mais il semblait inévitable que Harrison finisse par en bricoler un. Presque exactement quatre ans après la présentation de l’inventeur, le guitariste reçoit une démonstration du fonctionnement du Moog.
Il s’empresse d’en commander un. Ce n’était qu’une question de temps avant que les Beatles n’adoptent l’instrument. Après tout, quelques années plus tôt, Harrison avait été initié au sitar et avait rapidement intégré les sons mystiques de l’instrument indien à l’œuvre des Beatles.
Abbey Road est l’occasion idéale pour le groupe de le faire. C’est la première fois que le groupe enregistre en stéréo. Harrison avait rencontré le Moog pour la première fois lorsqu’il produisait le premier album de Jackie Lomax, Is This What You Want ? Lomax était l’une des premières signatures liverpudliennes d’Apple Records, et les sessions étaient donc suffisamment libres pour permettre à Harrison d’expérimenter l’appareil. Ainsi, lorsqu’il traîne l’énorme invention dans les studios d’Abbey Road, il en connaît déjà très bien le fonctionnement. En fait, entre-temps, il avait même enregistré une suite expérimentale Electronic Sounds, publiée sur l’éphémère dérivé avant-gardiste d’Apple Records, Zapple.
Cependant, à la manière typique des Beatles, ils ont très vite réussi à prendre cette technologie lointaine et à la rendre populaire – redéfinissant le goût populaire dans le processus, rapprochant le monde des périphéries intéressantes de la possibilité. En utilisant le synthétiseur IIIp, qui a été mis à la disposition du public pour la première fois en 1967, le groupe s’est réuni autour de cette bizarrerie et a créé sa première chanson avec un synthétiseur : « Because ».
Ce fut un processus laborieux mais passionnant. L’ingénieur John Kurlander se souvient dans Recording Sessions que « le Moog était installé dans la salle 43, d’où le son était transmis par un câble mono à la salle de contrôle dans laquelle nous nous trouvions. Les quatre Beatles – mais surtout George – se sont montrés très intéressés par le Moog, essayant différentes choses ». Cependant, son intérêt était de l’utiliser pour embellir « Because » plutôt que de le remanier. Comme l’explique Nick Webb, un autre ingénieur, « je pense que les Beatles ont utilisé le Moog avec beaucoup de subtilité. D’autres, dans une situation similaire, en auraient probablement fait tout un plat. C’est là, sur le disque ».
L’autre raison de cette subtilité est que, dans sa phase rudimentaire, le Moog était une bête brutale à utiliser. Après la sortie d’Abbey Road, John Lennon a peut-être déclaré à Radio Luxembourg qu’il jouait « le solo de “Because” » parce qu’on pouvait « lui faire jouer n’importe quoi – n’importe quel style… bizarre ou simple », mais Alan Parson nuance en ajoutant que c’était un sacré boulot d’essayer d’en tirer « n’importe quoi et qu’on ne pouvait faire sonner qu’une seule note à la fois ».
Néanmoins, le groupe a été tellement séduit par son impact sur « Because » qu’il a rapidement cherché à appliquer ses sons étranges à l’ensemble de l’album. Sur Abbey Road, ce Moog mystique apparaît sur « Maxwell’s Silver Hammer “, ” I Want You (She’s So Heavy) “ et ” Here Comes The Sun ». Malheureusement, ils ont passé leur dernier jour en studio ensemble le 20 août 1969. S’ils avaient continué, qui sait où l’expérimentation les aurait menés – peut-être que leurs disques des années 1970 auraient inclus une version primitive de « Born Slippy », mais ce que nous savons avec certitude, c’est que le Moog aurait été très présent, Harrison ayant plongé tête baissée dans son premier album solo, All Things Must Pass.
Une telle innovation a été la clé du succès du groupe et devrait être considérée comme une part importante de son héritage, alors que nous avançons dans l’incertitude technologique. Les Beatles n’ont jamais vieilli. L’arc général de la culture pop est que la presse et le public vous construisent pour vous mettre à terre – l’astuce est de survivre à quelques rounds et de revenir à la charge lorsque vous avez une chance.
Mais les Liverpudliens ont défié ce secret cyclique de la longévité – personne n’a posé de gants sur eux. C’est en grande partie parce qu’ils n’ont jamais donné l’occasion à qui que ce soit de porter un coup. Ils étaient constamment en mouvement, ils se redéfinissaient constamment et redéfinissaient leur son – on ne pouvait pas s’en lasser, et on ne pouvait pas les discréditer parce que, contrairement à M. Manilow, tout ce qu’ils faisaient, bon ou mauvais, était fait au nom de l’avancement de l’art. Oui, même « Maxwell’s Silver Hammer » et son horrible mélodie.