Sur Abbey Road, George Harrison atteint l’essence de son style : un jeu de guitare subtil, expressif, au service de la chanson, démontrant que la retenue peut être plus puissante que la virtuosité.
À l’automne 1969, alors que l’avenir des Beatles s’assombrit et que les tensions internes atteignent leur paroxysme, George Harrison, souvent relégué à l’arrière-plan des compositions Lennon–McCartney, s’impose comme une voix majeure de l’album Abbey Road. C’est dans ce contexte que son jeu de guitare atteint une forme de quintessence : subtile, chantante, fluide — et surtout, d’une sobriété exemplaire. Pour le guitariste contemporain, cet album reste une école de style et d’émotion. Car si une leçon émerge avec évidence de ces sessions mythiques, c’est bien celle-ci : la retenue peut devenir le langage le plus expressif qui soit.
Sommaire
- Une guitare au service de la chanson
- Come Together et l’art de l’understatement
- I Want You (She’s So Heavy) : arpeggios et tension
- Sun King : influences blues britanniques
- Le langage harmonique de George : entre pop et sophistication
- La pentatonique majeure revisitée
- Le regard de Geoff Emerick : une reconnaissance tardive
- L’éloge du silence
Une guitare au service de la chanson
Sur Abbey Road, George Harrison s’affirme comme un artisan du détail. Là où d’autres auraient rempli l’espace sonore de notes et d’effets, lui choisit la parcimonie, la ligne mélodique juste, celle qui semble naturellement émaner du chant. Sur Something, ballade majestueuse devenue classique instantané, son solo est un véritable chant dans la chanson — une ligne vocale parallèle, sensible et pure. Il ne cherche ni à impressionner ni à dominer. Il raconte. Il prolonge le souffle de la voix.
Son utilisation de la Leslie, cet amplificateur à effet rotatif souvent associé à l’orgue Hammond, colore sa Telecaster d’un halo vaporeux. Cette texture douce, presque liquide, donne au morceau une profondeur émotionnelle rare. Ce n’est pas un effet pour briller, c’est une voix en plus, une respiration supplémentaire.
Come Together et l’art de l’understatement
Autre sommet : Come Together. Le riff mythique, d’une simplicité provocante, repose sur une économie de moyens extrême. Une ligne grave, bluesy, légèrement sale, qui donne au morceau son balancement hypnotique. Harrison s’y insère avec discrétion, par petites touches, toujours au service du groove. Il ne cherche pas à « en mettre plein la vue » — il donne du poids, de la consistance. Sa guitare ne crie jamais. Elle murmure avec autorité.
I Want You (She’s So Heavy) : arpeggios et tension
Sur I Want You (She’s So Heavy), la construction repose sur des motifs d’arpeggios répétés, évolutifs, presque minimalistes, mais d’une tension dramatique étonnante. Harrison double souvent ses lignes, créant un effet de tissage sonore qui évoque le travail de studio des grands groupes progressifs. L’utilisation de l’effet de modulation, combinée aux montées harmoniques, renforce l’atmosphère oppressante du morceau.
Sun King : influences blues britanniques
Sur Sun King, Harrison explore une autre palette. L’inspiration vient ici de Peter Green et de Albatross, cette pièce instrumentale atmosphérique de Fleetwood Mac. Les arpèges sont simples, mais richement texturés. Les notes planent, s’enroulent les unes autour des autres. C’est du blues désincarné, une rêverie lente où chaque son semble suspendu dans le temps.
Le langage harmonique de George : entre pop et sophistication
Mais George Harrison n’est pas qu’un mélodiste. C’est aussi un explorateur harmonique. Sur Abbey Road, il joue volontiers avec des accords parallèles (D vers Dm par exemple), des enrichissements subtils, des renversements inattendus. Pour les guitaristes, cela signifie une chose : cibler les notes charnières dans les changements d’accords devient une clé de l’expression.
Dans un passage de D à Dm, par exemple, seule une note change (F# devient F). C’est cette note qu’il faut viser dans un solo pour souligner la transformation harmonique. Ce type d’approche donne une couleur presque jazz à certains de ses phrasés.
La pentatonique majeure revisitée
Dans les solos les plus doux de George — notamment sur Something — la pentatonique majeure est souvent à l’honneur. Mais il la traite avec une finesse extrême, jouant sur les glissandos, les micro-intervalles, les vibratos expressifs. Un slide du 5e au 17e frette, une attaque subtile sur le micro manche, une réverbération printanière, et voilà un phrasé qui semble flotter.
Il ne s’agit jamais de virtuosité gratuite. L’important n’est pas la vitesse, mais la résonance émotionnelle. Chaque note semble pesée, choisie, aimée. Dans un monde où la performance prend souvent le dessus sur l’intention, Harrison nous rappelle que la simplicité est une forme supérieure de raffinement.
Le regard de Geoff Emerick : une reconnaissance tardive
Geoff Emerick, ingénieur du son légendaire des Beatles, dira plus tard : « Pour la première fois, John et Paul ont compris que George était arrivé à leur niveau. » Cette reconnaissance, bien que tardive, est méritée. Sur Abbey Road, George Harrison n’est plus le « troisième homme » du groupe. Il devient l’un de ses pôles créatifs, l’âme discrète mais indispensable du projet.
Avec Something et Here Comes the Sun, il signe deux des plus grands morceaux de l’album. Deux compositions solaires, qui tranchent avec les orages des relations internes, et offrent un espoir, une promesse de lumière au milieu des tensions.
L’éloge du silence
Apprendre à jouer comme George Harrison sur Abbey Road, ce n’est pas seulement apprendre des riffs ou des solos. C’est apprendre une attitude musicale. C’est comprendre que la guitare peut chanter, soupirer, attendre. Que l’espace est parfois plus éloquent que le remplissage. Que la retenue peut devenir une forme de révolte élégante.
Harrison nous enseigne une chose précieuse : le silence entre les notes est aussi important que les notes elles-mêmes. Et peut-être est-ce cela, plus que tout, qui fait de lui un maître pour les générations futures. Pas un démonstrateur. Un poète du son.