On croyait la porte refermée, scellée au fond d’une discographie où l’histoire et la douleur se confondent. Et pourtant, Yoko Ono la rouvre : Season of Glass revient cet été pour son 45e anniversaire, en CD augmenté, en digital, et en vinyle — noir, plus un pressage blanc limité, comme un rappel que certains objets ne se collectionnent pas, ils se portent. Derrière l’annonce, il y a un disque impossible à rendre “nostalgique”. Publié sept mois après l’assassinat de John Lennon devant le Dakota Building, Season of Glass n’embaume rien : il expose. Une voix qui craque, des chansons écrites au ras de la plaie, et une pochette devenue preuve — ces lunettes maculées de sang qui empêchent le regard de fuir. Cette réédition promet remaster et bonus (dont Walking on Thin Ice, enfin disponible en streaming, une démo de I Don’t Know Why et un mix Phil Spector de Dogtown), mais l’essentiel est ailleurs : réécouter, en 2026, ce document intime qui refuse la morale et préfère la vérité brute. Pourquoi l’album le plus “classé” de Yoko reste aussi le plus inconfortable ? Parce qu’il ne raconte pas le deuil : il le met en scène, minute après minute. Suivez-nous dans cette traversée.
Il y a des anniversaires qui ressemblent à des bougies, des sourires et des archives joliment restaurées. Et puis il y a ceux qui reviennent avec l’élégance brutale d’un souvenir intrusif. Yoko Ono vient d’annoncer qu’elle célébrera le 45e anniversaire de Season of Glass en remettant l’album en circulation cet été, dans des versions CD augmentée, digitale, et en vinyle : noir, et pour la première fois depuis des décennies, un pressage blanc en quantité limitée. Aucun jour précis n’a encore été confirmé, et c’est presque cohérent : certains disques ne se “datent” pas, ils se subissent, ils se traversent.
Le timing n’est pas neutre. Cette annonce coïncide avec les 93 ans de l’artiste, comme si le calendrier insistait à superposer les strates : l’âge, l’œuvre, la mémoire, le deuil qui se transforme sans jamais disparaître. Dans la foulée, “Walking on Thin Ice” a été rendu disponible en streaming pour la première fois, signe que cette réédition ne se contentera pas de flatter les collectionneurs. Elle rouvre un chapitre.
Car Season of Glass n’est pas un album “culte” au sens confortable du terme. C’est un disque qui porte mal ce mot, tant il charrie l’idée d’un objet qu’on aime, qu’on conserve, qu’on fétichise. Ici, on ne fétichise rien : on regarde l’irrémédiable en face. Quand Season of Glass paraît, sept mois seulement après l’assassinat de John Lennon devant le Dakota Building à New York, c’est moins un “retour” de Yoko Ono qu’une apparition. Une femme qui décide de parler au milieu du vacarme, alors que tout lui intime de se taire, de se retirer, de devenir une silhouette.
Sommaire
- Décembre 1980 : le monde se fracture devant le Dakota Building
- Avant Season of Glass : Yoko Ono, l’avant-garde, et la violence des malentendus
- Sept mois après : enregistrer le chagrin comme on enregistre une preuve
- La pochette : les lunettes ensanglantées, ou l’art d’empêcher le regard de fuir
- Un disque qui ne “raconte” pas le deuil : il le met en scène, minute après minute
- “Goodbye Sadness” et l’art de dire au revoir à quelque chose qui ne part pas
- “Mindweaver” : tisser la pensée quand tout se défait
- “Even When You’re Far Away” : la présence qui persiste au-delà de l’absence
- “Nobody Sees Me Like You Do” : l’intimité amputée
- “Turn of the Wheel” : la fatalité des mécanismes
- “Dogtown” : l’extérieur comme territoire hostile
- “Silver Horse” : un fantôme de conte dans un paysage réel
- “I Don’t Know Why” : l’absurde en une phrase
- “Extension 33” et “No, No, No” : la négation comme réflexe de survie
- “Will You Touch Me” : le besoin de contact au milieu des ruines
- “She Gets Down on Her Knees” : la scène, la prière, l’humiliation
- “Toyboat” et “Mother of the Universe” : l’enfance, le cosmos, et la tentative d’élargir le cadre
- “Walking on Thin Ice” : le dernier éclat partagé avec John Lennon
- La promesse de la réédition : remaster, bonus, et matérialité retrouvée
- La tracklist : une suite de chambres où l’on n’a pas toujours envie d’entrer
- L’album le mieux classé de Yoko Ono : et pourtant, longtemps tenu à distance
- Pourquoi Season of Glass frappe encore en 2026 : l’intime comme antidote au mythe
Décembre 1980 : le monde se fracture devant le Dakota Building
Le 8 décembre 1980, la pop culture change d’axe. Pas parce qu’une star meurt — l’histoire du rock est un cimetière bavard — mais parce que l’événement a quelque chose d’obscène dans sa simplicité. John Lennon, l’ancien Beatle devenu symbole planétaire, est abattu à bout portant, dehors, dans la rue, devant l’immeuble où il vit. Le Dakota Building, déjà chargé d’un imaginaire gothique new-yorkais, devient un décor de tragédie moderne, une façade qui ne “raconte” rien et qui pourtant hurle tout.
Il faut se souvenir du contexte : Lennon venait de revenir au premier plan, Double Fantasy venait de sortir, et cette renaissance était aussi une renaissance à deux. On a souvent raconté l’histoire comme celle d’un Lennon “réapparu”, comme si Yoko Ono n’était qu’une note en bas de page, alors qu’elle était, depuis des années, un axe créatif, une partenaire, une alliée, une opposante parfois — bref, une présence. Leur travail commun n’était pas une fusion romantique, c’était une collision fertile.
Et puis soudain, la collision devient un trou noir. On demande à Yoko de “rester digne”, de “protéger l’héritage”, de “gérer le mythe”. On lui demande, en somme, d’être une veuve officielle dans un théâtre mondial. Season of Glass est sa manière de refuser ce rôle. De dire : je ne suis pas un personnage secondaire dans votre légende, je suis une personne, et je saigne.
Avant Season of Glass : Yoko Ono, l’avant-garde, et la violence des malentendus
On ne comprend pas Season of Glass si l’on oublie le chemin de Yoko Ono avant l’album. Parce que, depuis toujours, elle est l’objet idéal des simplifications : la “muse”, la “sorcière”, la “responsable” de la séparation des Beatles — comme si quatre adultes, milliardaires en tensions artistiques, avaient eu besoin d’une seule femme pour imploser. Ces caricatures ont un avantage : elles évitent de regarder l’artiste.
Yoko, c’est d’abord une figure de l’avant-garde, une enfant d’une certaine idée de l’art comme expérience, comme action, comme risque. Son travail conceptuel, ses performances, son inscription dans une galaxie où l’œuvre n’est pas forcément un objet fini, ont toujours irrité ceux qui veulent que la musique reste “à sa place”. Et quand elle entre dans le monde du rock, elle ne se “convertit” pas : elle l’infecte, au sens noble du terme. Elle y injecte l’indiscipline.
Ses disques du début des années 70, ses prises de voix sans filet, ses morceaux qui semblent parfois se battre avec la notion même de mélodie, ont longtemps été moqués avant d’être réévalués. Le plus ironique, c’est que beaucoup de musiques qu’on célèbre aujourd’hui pour leur liberté — du punk à certaines formes de pop expérimentale — doivent quelque chose à cette insolence.
Donc quand John Lennon est assassiné, Yoko Ono n’est pas une novice de l’expression brutale. Mais Season of Glass n’est pas un album “expérimental” comme une posture. C’est un album qui expérimente une seule chose : comment rester en vie.
Sept mois après : enregistrer le chagrin comme on enregistre une preuve
L’idée même de sortir un album sept mois après un drame pareil paraît, vue de l’extérieur, inimaginable. Et pourtant, c’est précisément ce caractère impossible qui donne au disque son intensité. Yoko l’a dit en interview au début des années 80 : Season of Glass, c’était “juste être moi”, une sorte de cri primal, un besoin viscéral de dire ce qui venait d’arriver, et quelque chose de thérapeutique plus que tout. Dans les notes de ONOBOX (1992), elle confiera que sa voix se brisait pendant l’enregistrement.
Ce détail est crucial. Parce qu’il renverse le fantasme du studio comme lieu de contrôle. Ici, la cabine n’est pas un sanctuaire où l’on sculpte une performance : c’est une pièce où l’on tente de tenir debout. La “prise parfaite” n’a aucun sens si l’âme se fissure à chaque phrase. Et Yoko ne retouche pas cette fissure : elle l’expose.
Elle raconte aussi avoir envisagé de ne pas publier l’album, puis s’être dit qu’il existait, partout dans le monde, des gens dont la voix craque pour mille raisons. Elle comprend alors que ses chansons peuvent être “les chansons des désespérés” et que, oui, elle a le droit de se montrer telle qu’elle est. Ce geste est politique, au sens intime : refuser l’image de la veuve héroïque, refuser le masque. Accepter l’inconfort de la vérité.
La pochette : les lunettes ensanglantées, ou l’art d’empêcher le regard de fuir
On parle souvent de Season of Glass à travers sa pochette, comme si elle résumait tout, comme si elle était le scandale principal. On y voit des lunettes rondes, posées au premier plan, maculées de sang. À l’arrière, floue, une fenêtre, New York, le dehors indifférent. L’objet est banal et sacré : une paire de lunettes, un accessoire, et soudain un reliquaire.
Le label de l’époque aurait souhaité une autre image. Trop violent, trop direct, trop “mauvais goût”. Yoko Ono refuse. Elle explique l’idée avec une métaphore terriblement concrète : comme si elle entrait, trempée de sang, dans un salon plein de gens, annonçait que son mari est mort et que son corps a été emporté, et que ces gens lui reprochaient de montrer les lunettes. Le reproche devient indécent. Ce n’est pas la représentation qui est de trop, c’est notre désir de confort.
Cette pochette est une mise en accusation. Elle dit : vous voulez consommer la tragédie sous forme de mythe, mais vous ne voulez pas voir ce qu’elle laisse sur la peau. Elle transforme un objet en preuve. Et en faisant cela, elle rend l’album impossible à “décorer” dans une collection. On peut le posséder, mais on ne peut pas l’innocenter.
Un disque qui ne “raconte” pas le deuil : il le met en scène, minute après minute
Le deuil, dans la musique populaire, est souvent stylisé. Il devient élégie, devient métaphore, devient distance poétique. Season of Glass choisit l’inverse : la proximité. La sensation que chaque morceau est écrit à quelques centimètres de la plaie, sans bandage.
Cela ne signifie pas que l’album est uniforme ou monochrome. Au contraire, il est traversé par des mouvements contradictoires, des pulsions qui se contredisent parce que le deuil est fait de contradictions. Il y a la tristesse, évidemment, mais aussi la colère, l’incrédulité, la solitude, le désir, la fatigue, le besoin de sens, la tentation d’abandonner et, par flashes, une volonté d’avancer.
C’est précisément ce qui rend le disque aussi difficile qu’humain : Yoko Ono ne se contente pas d’être “bouleversée”. Elle pense, elle observe, elle se souvient, elle accuse parfois, elle doute souvent. Et elle transforme tout cela en chansons qui n’essayent pas d’être aimables.
“Goodbye Sadness” et l’art de dire au revoir à quelque chose qui ne part pas
Le disque s’ouvre sur “Goodbye Sadness”, et ce titre est déjà une ironie douloureuse. Dire “au revoir” à la tristesse, comme si la tristesse était une personne qui pouvait faire ses valises. La chanson sonne comme une tentative : on prononce la formule, on espère qu’elle agit. Mais l’émotion est trop massive pour être exorcisée par un simple slogan. On entend une femme qui voudrait croire à sa propre injonction, et qui n’y arrive pas tout à fait. C’est exactement le deuil : vouloir aller mieux, et se heurter au réel.
Dans ce morceau, Season of Glass installe son ton : pas de grand discours, pas de narration romancée. Des sensations. Des phrases qui semblent écrites à la main, sur une table trop silencieuse.
“Mindweaver” : tisser la pensée quand tout se défait
“Mindweaver” est l’un de ces titres qui donnent l’impression que la musique sert à recoudre l’esprit. “Weaver”, le tisserand : la pensée comme textile, comme matière fragile. Après un choc, l’esprit ne “réfléchit” pas, il s’emmêle. On revoit les images, on répète les scénarios, on refait les dialogues, on invente des versions alternatives où l’horreur n’a pas eu lieu.
La chanson donne à cette obsession une forme presque hypnotique. C’est un morceau qui ressemble à la rumination elle-même : tourner autour d’un trou, sans parvenir à le combler, mais en essayant, malgré tout, de dessiner une forme.
“Even When You’re Far Away” : la présence qui persiste au-delà de l’absence
Quand Yoko Ono chante “Even When You’re Far Away”, elle met le doigt sur une expérience universelle : l’absence n’est pas un vide, c’est une autre forme de présence. Les morts continuent de parler par l’écho qu’ils laissent dans nos habitudes, nos gestes, nos objets, nos réflexes. On se surprend à penser “il faut que je lui dise”, puis on se rappelle. Et ce rappel est un deuxième choc, répété, quotidien.
Le morceau est une conversation impossible. Un dialogue où l’on parle à quelqu’un qui ne répondra plus, mais dont le silence est chargé. Dans un monde qui exige qu’on “tourne la page”, Season of Glass refuse d’accélérer.
“Nobody Sees Me Like You Do” : l’intimité amputée
Il y a, dans ce titre, quelque chose de plus cruel que la simple nostalgie : la sensation que personne ne pourra jamais vous voir de la même manière. Le deuil n’est pas seulement la perte d’un être aimé, c’est la perte d’un regard. D’un témoin de votre vie. D’un miroir particulier.
“Nobody Sees Me Like You Do” touche à cela avec une simplicité désarmante. C’est un morceau qui parle d’amour sans romantisme. L’amour comme reconnaissance, comme compréhension. Et quand celui qui comprenait n’est plus là, le monde devient plus bruyant et plus lointain.
“Turn of the Wheel” : la fatalité des mécanismes
“Turn of the Wheel” évoque la roue qui tourne, l’idée banale que “la vie continue”. Mais chez Yoko Ono, cette banalité devient presque mécanique, inquiétante. La roue, ce n’est pas seulement le temps, c’est le système : les médias, l’industrie, la foule, la normalité qui reprend ses droits au lendemain d’un drame.
Il y a une violence particulière à voir le monde continuer comme si de rien n’était. Non pas parce que le monde devrait s’arrêter — il ne le peut pas — mais parce que cette continuité ressemble à une trahison. Le morceau met en musique ce sentiment : être bloqué dans une temporalité différente, tandis que le reste du monde roule.
“Dogtown” : l’extérieur comme territoire hostile
Dans “Dogtown”, on sent la ville comme un espace peuplé, mais pas accueillant. La rue, l’après, les regards, la paranoïa, l’impression d’être observée, jugée, commentée. Après la mort de Lennon, Yoko devient à la fois une femme en deuil et une figure publique exposée. Son chagrin est scruté. Son silence est interprété. Ses choix sont décortiqués.
Le morceau capte cette sensation d’hostilité diffuse, ce moment où sortir de chez soi devient une épreuve. Le deuil privatise le monde : tout ce qui était banal devient dangereux.
“Silver Horse” : un fantôme de conte dans un paysage réel
“Silver Horse” a quelque chose d’onirique, comme si Yoko Ono cherchait, au milieu de la réalité la plus atroce, une image qui permet de respirer. Le cheval d’argent : symbole, talisman, peut-être une figure d’évasion. Dans les périodes de choc, l’esprit fabrique parfois des mythologies personnelles, non pour fuir, mais pour survivre.
Ce morceau rappelle que Season of Glass n’est pas un reportage. C’est un album d’artiste, avec ses détours, ses métaphores, ses petites portes secrètes.
“I Don’t Know Why” : l’absurde en une phrase
“I don’t know why”. Je ne sais pas pourquoi. C’est peut-être la phrase la plus honnête qu’on puisse prononcer après une violence aussi absurde. Les explications sociologiques, les analyses psychologiques, les récits médiatiques : tout cela peut exister, mais aucun de ces discours ne répond au “pourquoi” intime. Le “pourquoi moi”, le “pourquoi lui”, le “pourquoi là”.
La chanson fait de ce non-sens un motif. Elle refuse la consolation facile. Et cette absence de consolation est précisément ce qui rend l’album si précieux : il ne ment pas.
“Extension 33” et “No, No, No” : la négation comme réflexe de survie
Au cœur du disque, il y a des moments où la langue semble se réduire à des gestes. Dire “non” comme on repousse une main, comme on claque une porte. “No, No, No” est le cri du corps qui refuse ce qui est arrivé, même quand la tête sait que c’est arrivé. La négation n’est pas un argument, c’est un spasme.
“Extension 33” apporte une autre énergie, presque un déplacement. Comme si Yoko Ono cherchait une sortie, une dérivation, une manière de détourner la douleur par une forme différente. L’album avance ainsi : pas en ligne droite, mais en zigzags, comme on marche quand on est sonné.
“Will You Touch Me” : le besoin de contact au milieu des ruines
Il y a une dimension souvent occultée dans les récits de deuil : le corps. Le manque n’est pas seulement émotionnel, il est tactile. “Will You Touch Me” parle de ce besoin de contact, de chaleur, de présence physique. Et cela peut déranger, parce que la société aime que le deuil soit “pur”, presque désincarné, comme si désirer du réconfort physique était une trahison.
Yoko Ono refuse cette hypocrisie. Elle rappelle que continuer à vivre, c’est aussi continuer à sentir. Et que le manque est un manque de peau autant que de souvenirs.
“She Gets Down on Her Knees” : la scène, la prière, l’humiliation
Le titre évoque une image forte : s’agenouiller. Est-ce une prière, une supplication, une chute ? Dans un album aussi frontal, l’ambiguïté compte : s’agenouiller peut être un geste de foi, mais aussi un geste de détresse, ou de soumission à une force trop grande.
Le morceau ajoute une dimension presque théâtrale au disque. Comme si Yoko se regardait elle-même, dans son chagrin, et acceptait aussi l’étrangeté de cette posture : être à genoux, devant rien, devant l’absence.
“Toyboat” et “Mother of the Universe” : l’enfance, le cosmos, et la tentative d’élargir le cadre
Avec “Toyboat”, on perçoit une fragilité particulière. Le petit bateau-jouet : l’enfance, la vulnérabilité, la navigation miniature sur des eaux imaginaires. C’est un symbole d’une simplicité presque cruelle : quand la vie devient trop lourde, on se raccroche à des objets minuscules.
“Mother of the Universe” ouvre, lui, un horizon plus vaste. Il y a chez Yoko Ono une tentation cosmique, une manière d’élargir le cadre quand le quotidien devient insupportable. Cela peut sonner mystique, mais c’est aussi une stratégie psychique : si l’on reste enfermé dans la scène du drame, on étouffe. Alors on regarde plus grand. On appelle l’univers comme on appelle une mère : pas pour qu’il explique, mais pour qu’il enveloppe.
“Walking on Thin Ice” : le dernier éclat partagé avec John Lennon
Parmi les bonus annoncés sur les versions CD/digital, “Walking on Thin Ice” occupe une place à part. Parce que ce morceau n’est pas seulement une chanson de plus, c’est un point de jonction entre les deux. Un titre travaillé avec John Lennon, et dont le destin est désormais indissociable de la fin.
Musicalement, il a cette tension presque dansante, une nervosité qui regarde vers la new wave et les clubs autant que vers le rock. Le titre lui-même est un programme : marcher sur de la glace fine. Avancer en sachant que ça peut céder. Et quand on connaît l’histoire, cette phrase devient insoutenable. Comme si l’art avait laissé, malgré lui, un présage.
Le fait que le morceau soit désormais disponible en streaming ajoute une couche de lecture contemporaine. Il ne s’agit pas seulement de ressortir un titre rare : il s’agit de remettre en circulation une pièce qui fait le lien entre un passé figé dans la légende et un présent où l’on écoute différemment, parfois avec moins de filtres, parfois avec plus de distance, mais toujours avec ce pincement.
La promesse de la réédition : remaster, bonus, et matérialité retrouvée
La réédition annoncée pour l’été promet des versions augmentées en CD et digital, ainsi qu’un retour du disque en vinyle noir et en vinyle blanc limité. Le simple fait de préciser ces formats dit quelque chose de notre époque : on réécoute aussi avec les mains. Le vinyle, ce n’est pas qu’un son, c’est une matérialité, un rituel, une présence sur une étagère.
Et Season of Glass, plus qu’un autre, est un album où l’objet compte. La pochette, évidemment, mais aussi l’idée de tenir physiquement un disque qui ressemble à un document, à une pièce à conviction. Le numérique rend tout fluide, instantané, presque léger. Le vinyle remet du poids. Il oblige à regarder l’image, à lire les titres, à vivre la durée d’une face.
Quant aux bonus annoncés, ils dessinent une logique : élargir le récit sans le diluer. Outre “Walking on Thin Ice”, on retrouvera une démo de “I Don’t Know Why” et une version Phil Spector mix de “Dogtown”. Là aussi, c’est intéressant : ce ne sont pas des bonus “anecdotiques”, mais des angles différents sur une matière émotionnelle déjà brûlante.
La tracklist : une suite de chambres où l’on n’a pas toujours envie d’entrer
La réédition reprendra l’album dans sa forme connue, avec ces titres qui, mis bout à bout, ressemblent à un carnet de survie : “Goodbye Sadness”, “Mindweaver”, “Even When You’re Far Away”, “Nobody Sees Me Like You Do”, “Turn of the Wheel”, “Dogtown”, “Silver Horse”, “I Don’t Know Why”, “Extension 33”, “No, No, No”, “Will You Touch Me”, “She Gets Down on Her Knees”, “Toyboat”, “Mother of the Universe”. Et, en bonus sur les éditions CD/digital, “Walking on Thin Ice”, “I Don’t Know Why” (demo), “Dogtown” (Phil Spector Mix).
Lire cette liste à froid, c’est déjà entendre une dramaturgie. Il y a des titres qui sont des états (“Sadness”, “No”), des titres qui sont des gestes (“Touch Me”), des titres qui sont des lieux mentaux (“Mindweaver”), des titres qui ouvrent vers l’immense (“Mother of the Universe”). Season of Glass n’est pas une collection de chansons : c’est une succession de pièces, certaines lumineuses, beaucoup sombres, toutes habitées.
L’album le mieux classé de Yoko Ono : et pourtant, longtemps tenu à distance
On le rappelle souvent, et c’est un fait qui dit beaucoup : Season of Glass reste, à ce jour, l’album le mieux classé de la carrière de Yoko Ono. Cela pourrait ressembler à une victoire. En réalité, c’est plutôt un paradoxe. Parce que la visibilité de l’album, en 1981, tient aussi à la violence de son contexte : le monde regardait, forcément. Le monde voulait comprendre, ou croire comprendre.
Mais cette visibilité n’a pas toujours signifié reconnaissance. Yoko a continué d’être l’écran sur lequel on projette des fantasmes. Beaucoup ont écouté ce disque comme on lit une “preuve” dans un procès imaginaire : pour ou contre elle, pour ou contre leur propre récit des Beatles, pour ou contre un mythe.
Or Season of Glass demande une autre posture. Il demande d’écouter une artiste, pas un personnage. De reconnaître que ce disque n’est pas un appendice à la discographie de Lennon, mais une œuvre autonome, qui parle d’un événement, oui, mais depuis l’intérieur d’une conscience singulière.
Pourquoi Season of Glass frappe encore en 2026 : l’intime comme antidote au mythe
Quarante-cinq ans plus tard, qu’est-ce qui reste ? D’abord une évidence : le mythe Lennon est intact, et il le sera probablement toujours. Mais autour du mythe, il y a des vies, des voix, des œuvres qui ne se laissent pas réduire. Yoko Ono fait partie de ces présences qui résistent aux scénarios préfabriqués.
Réécouter Season of Glass aujourd’hui, c’est se souvenir que la musique populaire peut être autre chose qu’un divertissement ou une posture. Elle peut être un document émotionnel, une manière de tenir, une manière d’écrire l’histoire depuis le point de vue de ceux qu’on force souvent à rester dans l’ombre.
Et surtout, l’album résonne avec notre époque parce qu’il ne propose pas de morale. Il ne dit pas “voilà comment guérir”. Il dit : voilà ce que c’est, perdre, et continuer quand même. Il dit : la voix peut craquer, et c’est acceptable. Il dit : la douleur n’est pas un défaut de fabrication, c’est une preuve d’amour.
Dans un monde saturé d’images et de récits prémâchés, Season of Glass revient comme un objet qui refuse la consommation rapide. Un disque qui vous regarde autant que vous le regardez. Un album qui, derrière la légende des Beatles et la figure éternelle de John Lennon, remet au centre une vérité plus simple, plus rude, plus humaine : après la violence, il reste des fragments, et parfois, on en fait de la musique.