Schilling a opté pour une mise en scène qui oblitère le lieu et le temps de l'action. On pourrait se trouver à la cour de n'importe quel dictateur dans n'importe quel pays à n'importe quelle époque. Schilling, qui vit fort mal, cela se conçoit aisément, la situation difficile des créateurs hongrois soumis à un régime qui altère de plus en plus les libertés civiles et fait les choix culturels qui le servent, a peut-être voulu souligner l'intemporalité des dictatures.
Les costumes des protagonistes masculins du drame sont quasi identiques à ceux des figurants et du choeur, ce qui a tendance à gommer l'individualisation psychologique des caractères: Rigoletto et le Duc participent de ce fait de la même humanité que les courtisans, une humanité pauvre et dérisoire qui en mérite peu le nom. Cela a aussi pour effet de rendre Rigoletto moins difforme et le Duc moins monstrueux. Tous semblables, seules les femmes défilent parées d'atours colorés, une différenciation sexuelle quasi animale. Gilda, en pull et pantalon, échappe au cynisme ambiant, elle apparaît comme une jeune femme qui n'accepte pas d'être cloîtrée contre son gré et qui aspire à l'amour, un amour que ne demande qu'à favoriser sa gouvernante. Le Duc échappe cependant à la règle de l'uniformisation des costumes: au moment où il apprend que les courtisans ont enlevé Gilda, il troque ses vêtements pour un peignoir coloré japonisant, peignoir qui recouvrira Gilda déshonorée au moment de son retour sur scène et de ses retrouvailles avec son père. Un procédé par trop facile.
En avant-scène, un petit podium sur lequel viennent souvent se placer les chanteurs. Une curieuse
exploitation du trou du souffleur. Peu d'interactions entre les protagonistes qui viennent y exposer le drame face au public, ce qui donne un spectacle extrêmement frontal. Sans doute cela favorise-t-il la qualité du chant, mais la frontalité est telle qu'on a parfois l'impression d'assister à une version concertante de l'oeuvre. Il y a de la beauté dans ce dépouillement et ces couleurs uniformisées, reste la question de savoir si de centrer la mise en scène sur la seule action, et sa contemplation par des figurants impavides et impassibles, ne fait pas perdre de sa dimension au drame, ce qui aboutit alors au contraire de l'effet sans doute recherché.
Il faudra revoir ce Rigoletto sous une autre baguette, plus précise et rigoureuse, avec un chef qui fasse davantage la part belle aux chanteurs et exploite avec plus de doigté les incomparables qualités de l'orchestre et des choeurs du Théâtre national.
Crédit photographique: Wilfried Hösl