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NEW YORK — Pourquoi suis-je ressorti de « Henry Taylor : B Side » au Whitney Museum of American Art en me sentant étourdi par l’amour de l’art ?
Cela vaut la peine de se poser la question, ne serait-ce que parce que Taylor, 65 ans, n’est pas tout simplement un grand artiste (si cela existe). Son dessin peut paraître décousu. Son sens de l’anatomie est solide quand il le souhaite, mais tout aussi souvent comiquement de travers. Sa peinture, parfois luxuriante et ravissante, peut aussi être obstruée et pâteuse. Ses choix semblent souvent fantaisistes jusqu’à la perversité.
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Alors pourquoi est-il si bon ? Pourquoi ai-je quitté la série enflammé par le sentiment que la vie avait été soumise à une inspection, ridiculisée, pleurée et grossièrement embrassée par une personnification invisible de l’empathie ?
Je pense que c’est parce que, sans le savoir, j’avais envie de la profonde humanité de Taylor. Et clairement, je ne suis pas seul. Ce spectacle est un succès critique et populaire. On ressent la crudité et la vulnérabilité de son travail et c’est comme une gorgée d’eau géante.
Seulement quelques œuvres en «Henry Taylor : face B» chantent individuellement comme de superbes images. Ce qui en ressort est cumulatif. C’est un sentiment d’urgence, le sentiment que tout est là pour l’usage personnel de Taylor – une manifestation d’appétit et d’émotion. L’impulsion n’est ni gourmande ni possessive. Au lieu de cela, cela fait écho à la façon dont nous traversons chacun notre vie, pataugeant dans des brouillards d’anxiété, de joie, d’hormones, d’hilarité et de chagrin.
L’atout majeur de Taylor est un sentiment palpable de liberté, qui m’a rappelé ces lignes d’ouverture mémorables de Saul Bellow : «Les Aventures d’Augie March» : « Je suis américain, né à Chicago, et je fais les choses comme je l’ai appris moi-même, en freestyle, et je ferai le disque à ma manière. » Taylor peint comme un Afro-Américain dans exactement cet esprit. Il réalise le disque à sa manière. Il fait les choses en freestyle.
Les galeries du Whitney, avec leurs hauts plafonds, leurs murs blancs et leur parquet blond, peuvent parfois sembler stériles. Mais lorsque j’ai visité ce salon, l’ambiance était exubérante.
Les peintures généralement grandes, parfois énormes, de Taylor représentent la famille, les amis et des visages familiers de l’actualité. En parcourant l’exposition, j’ai senti des poches de rapport flotter entre les peintures et les gens, comme des béguins passagers déclenchés par des nuages de parfum.
J’ai aperçu une jeune femme au dos droit devant le portrait d’un homme assis sur un canapé orange. Les mains de la femme étaient croisées derrière le dos. Curieusement, elle portait un grand sac souple en équilibre sur sa tête. L’homme sur le tableau de Taylor avait l’air légèrement intimidé mais sur le point de dire quelque chose d’important. Il n’était fait que de peinture, mais j’aurais juré que lui et la femme conversaient, communiaient, partageaient des choses inexplicables.
La dernière fois que j’ai ressenti ce genre de brouhaha énergique dans une galerie, c’était au merveilleux musée du Metropolitan Museum of Art.Alice Néel” exposition en 2021. Taylor fait pour la vie des Noirs en Amérique ce que Neel a fait pour les femmes, les bohèmes et les immigrants de première génération.
Taylor, né en 1958, a étudié le journalisme et l’anthropologie culturelle à l’université. Son œuvre est à la fois autobiographique et politique d’une manière inédite.
Il utilise fréquemment la presse écrite comme source. Même s’il peint la vie de sa famille et de ses amis, il aborde le racisme et les luttes endurées par ses ancêtres ainsi que le sort des Noirs en général. “Il y a certaines choses que j’ai endurées”, dit-il dans une interview dans le catalogue de l’exposition, “que je ne pensais pas que mon fils aurait à endurer”.
L’exposition comprend une peinture de Philando Castile abattu lors d’un contrôle routier par un policier et un autre d’une camionnette depuis le point de vue imaginaire de James Byrd Jr., un homme noir qui, en 1998, a été enchaîné par les chevilles et traîné jusqu’à la mort par trois hommes blancs.
Également inclus : une peinture de texte de rechange, presque abstraite, intitulée simplement « Blacks Hurting in LA » ; une peinture semblable à un collage de diverses images, dont l’activiste George Jackson et Bob Dylan, qui a écrit une chanson sur lui ; une sculpture d’un arbre avec un Afro géant à la place des feuilles ; et une installation de la taille d’une pièce de mannequins habillés en membres du Black Panther Party. (Le frère de Taylor, Randy, qui figure en bonne place ailleurs dans la série, était actif dans une branche du parti dans sa jeunesse.)
Il est clair que pour Taylor, avoir une conscience politique est une extension naturelle de l’être humain. Il se soucie passionnément de la justice, mais il est également engagé par l’étrange condition d’être artiste et par l’état béni d’avoir des amis.
Le spectacle est comme une playlist compilée avec amour. Il exprime un intérêt décontracté mais constant pour la vie, synchronisé avec les rythmes de l’existence quotidienne : la façon dont nous colonisons les salons, nous amusons dans les studios, assistons aux funérailles, regardons les sports et regardons, frappés par la nostalgie, de vieilles photographies.
Une pièce regorge de visages des collègues artistes de Taylor, parmi lesquels Deana Lawson, Kahlil Joseph et Andrea Bowers. Pour moi, la plus belle œuvre de l’exposition est le simple portrait de tête de Taylor Noé Davisson ami proche et collègue artiste (et frère de Joseph).
Davis est décédé en 2015 à l’âge de 32 ans. Le portrait posthume de Taylor a une tendresse, une beauté et une vulnérabilité qui me rappellent la peinture magnifiquement poignante du Titien représentant le jeune homme. Ranuccio Farnèse à la Galerie nationale d’art.
Un autre tableau puissant est basé sur une photographie de Taylor et de son fils ; il dit qu’il a ajouté sa fille sur un coup de tête. Les trois sujets regardent directement le spectateur. Mais là où le visage de Taylor apparaît au premier plan, ses enfants s’éloignent dans l’espace le long d’une diagonale qui coupe la toile carrée. La composition promet une symétrie, mais elle est partout minée par l’idiosyncrasie – une caractéristique du travail de Taylor.
Le sens qu’a Taylor de la façon dont les couleurs d’arrière-plan plates et saturées divisent la toile et donnent vie à ses sujets est merveilleux. Mais il est également innovant à d’autres égards. Il utilise du carton et du collage de photos. Il peint sur des paquets de cigarettes. Et avec son sens ironique et pop des titres et des noms de marque, il utilise des mots et des lettres pour ajouter du punch à ses peintures et révéler des significations potentielles.
Il peint des personnages célèbres (anciens présidents Barack Obama et Michelle Obama, Carl Lewis, Jackie Robinson), ainsi que des scènes de rue (souvent avec des avions volant à basse altitude) et des scènes de la vie domestique.
Avec sa manière délibérément nonchalante et altruiste, Taylor riffe également sur des peintures célèbres (le portrait de sa mère par Whistler ; « » de Gerhard RichterBetty»). Ailleurs, il fait librement allusion à des artistes canoniques tels que Philippe GustonFrancis Bacon et Henri Matisse.
Il donne également à ces images sa propre tournure, apparemment indifférent à ce que le critique littéraire Harold Bloom a appelé « l’anxiété de l’influence ». Matisse, par exemple, est suggéré par les aplats de couleurs et le filigrane de fer dans une représentation d’une femme séchant les cheveux d’un homme. Les cheveux blonds de Betty, la fille de 11 ans de Richter, sont transformés en coiffure brune de l’artiste. Cassi Namoda.
Dans l’art contemporain, la peinture figurative est incontestablement ascendante. La popularité de cette exposition et de l’exposition Alice Neel du Met témoigne d’une soif immense d’images directes de personnes réelles dans des situations réelles.
L’abstraction n’est pas morte, mais les gens sont conscients, je pense, de ses limites et ne veulent plus se sentir intimidés par l’art conceptuel tapageur. Marre de parcourir les flux des réseaux sociaux, ils veulent le frisson des objets physiques faits à la main et des images reconnaissables.
Ils veulent avant tout un art qui exprime la vérité et la vulnérabilité. Si le travail est brut et pertinent, tant mieux. « Vous devez tout posséder », déclare Taylor dans le catalogue. “Comme si je ne serais peut-être jamais Kobe [Bryant], donc juste parce que tu ne peux pas être Kobe, tu ne vas pas jouer ? Je ne suis peut-être pas le meilleur, mais je ferai de mon mieux.
Taylor ne cache rien dans ses peintures. Mais aussi grands, éclatants et colorés qu’ils soient, ils ne perdent jamais leur taille humaine, leur humilité face à la folie de la vie ou leur grâce devant le mystère insoluble des autres.
Henry Taylor : face B Jusqu’au 28 janvier au Whitney Museum of American Art, New York. whitney.org.
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