Statuephilia

Le British Museum hébergea récemment Statuephilia, une exposition sans autre thème qu'offrir au public l'opportunité de découvrir cinq des plasticiens modernes locaux (dont nous reparlerons individuellement pour la plupart à travers des articles dédiés) les plus talentueux aux côtés d'une collection permanente plus orientée art ancien.

Le premier fut Damien Hirst, dont la série Cornucopia fit récemment sensation sur la blogosphère design-oriented. Le site du musée indique qu'il y explore la frontière entre le sacré et le profane, extrapolant probablement le fait de peindre avec une telle violence des objets si puissants et intouchables que des crânes, des restes humains. Ce que j'ai pour ma part tout de suite pensé, c'est que la sensation de fraîcheur, de récent émanant des aplats de gouache criards presque conflictuels figure le caractère éternel de la pensée humaine, qui elle-même souvent émane de psychés complexes et en questionnement permanent ; les têtes sont d'ailleurs déposées sur des armoires murales de collection. La force d'évocation de la mort entre évidemment en jeu dans l'impact de la pièce mais se trouve largement atténuée par l'uniformité des sculptures une fois observés en tant qu'équipe, et la préoccupation principale de l'artiste demeurait je pense de revisiter la mystique qui entourait le crystal skull lors de son arrivée au musée à la fin du XIXème. Une vidéo de l'artiste discutaillant de son ouvrage assis aux côtés de Jesus Christ est observable en cliquant là-dessous :

Une seconde zone de l'exhibition fut consacrée à Ron Mueck, un sculpteur hyperréaliste obsédé par les rapports de proportion micro/macro tentant en permanence de confronter l'oeuvre et l'observateur. Son Mask II constitua sans hésitation ma pièce favorite du showroom tant je trouve son invitation à l'introspection, la redécouverte des sensations de l'enfance et les conflits culturels qu'il impose fascinants. Fragiles aussi, mais les deux impressions sont liées. La connotation est forte là aussi : le visage grossièrement endormi est repose en contrebas d'un moaï et évoque d'une part la propension universelle de l'homme à se représenter de manière monumentale puis, à un niveau moins large la perte d'attrait envers l'art à mesure de son perfectionnement. En effet les monuments quasi-monolithiques de l'île de Pâques ont le pouvoir de capturer l'attention de l'individu lambda à un point où elles font partie intégrante de la pop culture tandis que peu d'intérêt se voit généralement porté à l'art contemporain, let alone de la culture tout court. L'air pataud du modèle semble toutefois présent comme pour teinter d'humour cette réflexion fort sérieuse, peut-être pour réévaluer la pertinence des expressions de l'esprit dans la société moderne. Comme précédemment, une vidéo est disponible (le schéma se répètera pour les trois artistes à venir, cliquez simplement sur la grande image à chaque fois) :

Si Ron Mueck fut l'artiste dont la formalité me parla le plus c'est assurément à la vision de Marc Quinn que je m'identifiai. Il inaugura à l'époque Siren, sa représentation de Kate Moss en or plein déjà évoquée dans ces colonnes il y a quelques jours. L'artiste confie que son premier choc artistique fut le masque de Toutankhamon et crée un parallèle intéressant entre le pharaon et la supermodel : “Like that mask, Siren is an image that glows and gives out love and light but remains completely implacable and silent. I think of both of them as sculptures of a cultural superego”. Sa passion pour l'intemporalité des canons de beauté se confirme dans son intérêt pour la culture grecque antique : en effet, Siren est positionnée proche des supposées sublimes Néréides en plus de porter leur nom, et sa posture n'est en fait contrairement à ce que j'énonçais pas tantrique mais réminiscente dans son suggestif de celle de la Vénus accroupie. Les deux statues partagent leur point d'accroche premier, le regard, ainsi il y est particulièrement pénétrant comme pour détourner de force les yeux, de l'observateur cette fois, vers des zones plus, disons, érogènes. En ce sens l'évolution de l'attitude de ces oeuvres majeures me paraît représenter un concept extrêmement intelligent.

La quatrième partie rompt avec le jeu sur l'axe temporel des précédentes. Mis en place par Tim Noble et Sue Webster, Dark Stuff est une sorte de nature morte en trois dimensions prise au sens littéral. Il m'aura fallu quelques minutes pour saisir leurs intentions, mais voyez si la narration du processus créatif vous inspire plus rapidement : “Tim’s mum bought some kittens three years ago. The cats started bringing in their prey almost every day. We collected their remains in a box marked with a skull and crossbones, which we called 'Dead Things'. Soon we had a few hundred rotting creatures – mice, rats, voles, even a squirrel and a toad. Walking through the British Museum, we were struck by the Egyptians’ use of mummification, their obsession with animals and animal parts, and how good at sculpture they were. And suddenly we knew what to do with our mummified animals!” Je pense qu'en fait Tim et Sue s'amusent de la fascination collective pour la mort, la beauté intense et morbide que l'on peut y déceler (“je voudrais pas crever avant d'avoir goûté la saveur de la mort”) et confrontent ainsi l'observateur à ses propres perversions, à la projection de deux têtes humaines et décapitées depuis un melting pot de cadavres animaux. Un message militant, une ode à la communion de la nature dans sa mortalité ? Je ne pense pas. Juste une image aux échos viscéraux, présente parce qu'elle peut l'être.

Le dernier objet majeur de l'exposition est signé Antony Gormley, probablement mon sculpteur préféré. Isolé du reste de ses travaux son Case for Angel I ne devrait pas réellement constituer une pièce particulièrement représentative, ni inspiratrice. Mais le fait d'avoir placé ce réceptacle d'envergure à l'entrée transfigure sa signification originelle et aurait du raccourcir son nom, simplement en Angel. Cette pièce, à travers la technique et le matériau modernes qu'elle requit, ses lignes pures, sa taille humaine mais son allonge prodigieuse m'évoque l'évolution des esprits, notez l'emmapostrophe, semble témoigner d'un certain degré d'accomplissement intellectuel global. C'est comme si elle symbolisait l'essence de l'exposition, son concept intrinsèque, une sorte d'invitation à pénétrer la galerie afin d'admirer les prouesses réflexives des Hommes présentés là.