20 façons dont les Beatles ont changé le monde

Chuck Klosterman, ancien rédacteur de SPIN, a un jour publié une liste de groupes qui n’étaient ni surestimés ni sous-estimés, mais simplement bien évalués. Il a succinctement résumé les Beatles : “Les Beatles sont généralement considérés comme le groupe de rock le plus important de tous les temps parce qu’ils ont écrit toutes les meilleures chansons. Comme ces deux faits sont vrais, les Beatles sont correctement classés”.

Point de départ de facto de l’émergence du rock contemporain et de la culture pop, les Beatles ont fait un certain nombre de choses mieux que leurs pairs et ont même fait un certain nombre de choses que personne n’avait encore imaginées. Célébrons donc les 20 façons dont les Beatles ont changé le monde.

Ils ont créé les tout premiers clips de musique rock

À l’époque, la plupart des artistes musicaux pouvaient faire filmer leurs performances légendaires sur des plateaux préfabriqués d’émissions de fin de soirée et de variétés, mais en dehors de cela, le meilleur endroit pour les voir était en concert ou à la radio. Le premier film des Beatles, A Hard Day’s Night, comportait des séquences conçues pour mettre en valeur certaines chansons, mais les Fab Four voulaient pousser l’idée de l’art et du marketing encore plus loin et ont filmé leurs propres clips pour “Day Tripper” et “We Can Work It Out”.

Ils en tourneront d’autres par la suite. Ces expériences cinématographiques autonomes et sans public, centrées sur de nouvelles chansons, ont prédit l’ère des clips musicaux, prouvant une autre raison pour laquelle ils étaient en avance sur leur temps.

Ils ont mené la charge de la British Invasion, donnant naissance à un nouveau type de culture pop britannique.

Avant la British Invasion, il y avait le bon vieux rock and roll. Si beaucoup citent Elvis et Little Richard comme les artistes qui ont contribué à lancer l’obsession mondiale pour ce genre musical, les enfants britanniques qui ont grandi au son de ces disques ont fini par vouloir en faire à leur tour. À la fin de l’année 1963, la popularité des Beatles est telle que les journaux télévisés leur consacrent des reportages.

Après leur légendaire prestation au Ed Sullivan Show en 1964, l’Amérique a été envahie par la “Beatlemania”, ce qui a ouvert la voie à des groupes comme les Kinks, les Rolling Stones, Dusty Springfield et les Who, qui ont fait leur entrée dans la culture pop mondiale. Même Liverpool, la ville natale des Fab Four, est rapidement devenue une destination touristique populaire, suscitant une fascination mondiale pour tout ce qui est britannique.

Ils ont même enfreint les règles concernant l’apparence des pochettes d’album

Au début de l’industrie du disque, les pochettes d’album étaient souvent constituées d’une photo de l’artiste accompagnée d’un texte. Il y avait peut-être un paysage s’il s’agissait d’un disque de musique classique, mais dans l’ensemble, les pochettes de disques étaient assez prévisibles.

Si la pochette du boucher sanguinaire de la compilation Yesterday and Today de 1966 s’est avérée trop extrême pour l’époque, les dessins au trait de Revolver et les collages pop de Sgt. Peppers ont modifié les notions de ce qui pouvait être fait avec le médium. Le plus célèbre, le double disque éponyme des Beatles de 1968, a reçu la pochette d’album la plus radicale à ce jour : Rien d’autre qu’une surface blanche et vierge. Cette pochette est devenue une telle référence culturelle que les gens l’appellent encore aujourd’hui “l’album blanc”.

Ils étaient passés maîtres dans l’art du marketing

À l’apogée de la Beatlemania, les produits dérivés à l’effigie de John, Paul, Ringo et George étaient légion et restent encore aujourd’hui des objets de collection. Pourtant, même après leur dissolution en 1970, la société du groupe, Apple Corps Limited, a réussi à faire fructifier leur héritage de manière inédite. Pour chaque nouvelle décennie, ils ont trouvé des moyens uniques et innovants de faire découvrir le son du groupe à une toute nouvelle génération d’auditeurs.

Le milieu des années 90 a vu la sortie de la série Anthology en trois parties et d’un documentaire, montrant aux fans une foule d’extraits et de séquences en coulisses. En 2000, la compilation 1 merely a rassemblé tous les titres phares du groupe sur un seul CD, qui s’est vendu à plus de 31 millions d’exemplaires. En 2006, le spectacle Love du Cirque du Soleil a été présenté pour la première fois. Même en 2021, il y avait quelque chose de nouveau à dire : le documentaire Get Back de Peter Jackson a été acclamé par tous pour avoir montré des facettes du groupe à l’aide de séquences brutes. Même si vous pensez connaître leur catalogue et leur histoire, il y aura toujours de nouvelles facettes à commercialiser et à reconditionner.

 Ils ont utilisé leur plateforme pour faire avancer des causes politiques

Alors que la musique “rock” peut parfois être considérée comme anti-establishment, les Beatles ont utilisé leur plateforme pour explorer des thèmes politiques, qu’il s’agisse d’humour (“Back in the U.S.S.R.”, “Taxman”) ou de sincérité (“Blackbird”, qui est souvent considéré sous l’angle du mouvement contemporain pour les droits civiques). Alors que certains hommes politiques britanniques s’efforçaient de rallier le groupe à leur cause, la carrière solo de John Lennon et son mariage avec Yoko Ono l’ont transformé en activiste, utilisant sa célébrité pour mettre en lumière les injustices et les causes qui lui tenaient à cœur.

Ils ont changé la façon dont les disques étaient produits

Les Beatles se sont retirés des tournées assez tôt dans leur carrière (1966), ce qui est surprenant quand on sait à quel point les tournées sont financièrement lucratives. Au lieu de cela, avec l’aide du producteur et scientifique sonore George Martin, le groupe a traité le studio d’enregistrement comme un instrument, trouvant de nouvelles façons de créer des sons jamais entendus auparavant. Ils ont inversé les pistes d’instruments, atténué la batterie, utilisé des voix multicouches aux sonorités sauvages et des instruments peu courants dans les enregistrements pop occidentaux. Leur volonté d’expérimenter sur le plan sonore mettait en évidence la qualité structurelle des chansons. Presque tous les enregistrements de chansons que vous entendez aujourd’hui sont redevables à l’innovation des Beatles, que leurs auteurs le sachent ou non.

Ils ont joué dans des films qui ont réécrit les règles du cinéma rock et en ont fait la bande originale.

Les stars du rock et les cinémas n’avaient rien de nouveau lorsque les Fab Four sont devenus célèbres. Ricky Nelson a transformé sa notoriété à l’écran en succès dans les hit-parades, et les films d’Elvis Presley sont sortis à la pelle. (La plupart du temps, il s’agissait de films sans intérêt, mais les spectateurs se déplaçaient quand même et achetaient les bandes originales). Pourtant, le film A Hard Day’s Night de 1963 est allé plus loin que la filmographie d’Elvis, puisque le groupe jouait les “Beatles” mais dans des versions exagérées et fictives d’eux-mêmes, mettant en valeur leurs personnalités loufoques et leur sens du comique. Cela n’a pas nui au fait que la bande originale qui en a résulté est considérée comme l’une de leurs meilleures réalisations avant Rubber Soul, et le film a depuis changé la façon dont les musiciens de rock et le cinéma s’entremêlent. (La bande originale de Help ! de 1965 était cependant infiniment meilleure que celle du film).

Ils se sont battus pour la justice raciale

En 1964, les Beatles devaient jouer au Gator Bowl de Jacksonville, en Floride, mais ils ont d’abord refusé de le faire après avoir découvert que le public était ségrégé. “Nous ne jouons jamais devant des publics ségrégués et nous n’allons pas commencer maintenant. Je préférerais perdre l’argent de nos concerts”, avait alors déclaré Lennon (h/t NPR). La salle a fini par céder et a permis à la foule de se mélanger, mais les Beatles ne se sont pas arrêtés là.

Reprenant souvent des tubes de la Motown et citant leur amour des grandes chanteuses de soul dans la presse, le groupe a demandé à la légendaire Mary Wells de faire leur première partie lors de leurs concerts au Royaume-Uni. Plus tard, Esther Phillips les rejoint pour des dates suite au succès de sa reprise de “And I Love Him”.

Ils ont réécrit les règles du succès de la musique pop

La date est gravée dans l’histoire : Le 4 avril 1964. C’est le jour où les Beatles ont réussi l’exploit sans précédent d’occuper les cinq premières places du Billboard Hot 100. À la même époque, en Australie, ils occupent six places du Top 10. Une semaine, au Canada, ils occupent neuf de ces dix places. Ils ont régulièrement terminé la plupart de leurs années d’existence en ayant l’album le plus vendu au Royaume-Uni, ont pulvérisé les records d’affluence pendant leurs tournées et ont détenu une fois le record de six albums consécutifs en tête des hit-parades. Bien que nombre de ces records aient été dépassés par divers artistes, les Beatles ont été les seuls à établir de tels records, ce qui témoigne de leur force culturelle.

Ils ont créé leur propre maison de disques, bouleversant ainsi l’industrie du disque établie.

Bien que les Fab Four soient célèbres pour leur association avec Capitol Records et EMI, on ne devient pas une force de conquête mondiale comme les Beatles sans quelques glorieuses mises en garde. L’une d’entre elles a été la création d’Apple Records, une maison qui leur a permis d’être aussi créatifs qu’ils le souhaitaient sans avoir à rendre des comptes à autant de personnes en costume. Si Apple Records (et sa filiale avant-gardiste Zapple) abritait les projets des Beatles, il a également permis au groupe de soutenir ce qu’il considérait comme des talents méritants, offrant une plateforme majeure à des artistes tels que Mary Hopkin, l’ami du groupe Billy Preston, l’incroyable Badfinger et un jeune artiste folk un peu bizarre nommé James Taylor.

Ils ont contribué à faire entrer l’avant-garde dans le courant dominant grâce à leurs expérimentations et à leurs collaborations sauvages.

Si les Beatles ont expérimenté en studio pour produire des sons et des textures hors du commun, ils ne se sont pas contentés de simples “chansons pop”. Ils sont allés jusqu’aux confins des genres connus, avec pour point d’orgue la sortie de “Revolution 9” en 1968. Tranche avant-gardiste de huit minutes de sons trouvés et de musique concrète (incluse dans “The White Album”, où de nombreux genres ont été mélangés), “Revolution 9” en a déconcerté plus d’un et en a ravi encore plus d’un.

Il s’agissait d’un virage à droite pour un groupe qui donnait déjà de nouvelles formes à sa créativité, mais lorsqu’il a été publié sur un album d’un groupe aussi populaire que les Beatles, il s’est également gravé dans la conscience du public, élevant le statut de Yoko Ono, la muse connue de Lennon, et introduisant bientôt le monde à des genres dont ils n’avaient peut-être même pas connaissance.

Ils sont devenus des icônes de mode quelque peu involontaires.

Beaucoup d’autres personnes ont porté la botte Baba avant John, Paul, George et Ringo, mais ces champions n’appartenaient pas aux Beatles. Lorsque la Beatlemania a battu son plein, les quatre gars de Liverpool aux cheveux en bataille ont commencé à remarquer qu’un certain nombre de fans arboraient des coupes de cheveux similaires. La botte Baba à talons hauts a rapidement été rebaptisée “la botte des Beatles”, car tout le monde voulait la porter. Au fur et à mesure que l’ère du “boys band” s’éloignait, chaque membre a commencé à adopter son propre style et son propre look, lançant des tendances vestimentaires et de mode à chaque décennie.

Leur curiosité pour le monde a permis d’introduire de nouveaux instruments dans la conversation culturelle.

Le voyage des Beatles en Inde a été largement reconnu comme un tournant majeur pour leur son, leur esthétique et leur orientation générale. George Harrison, en particulier, a été fasciné par le sitar. Bien qu’il ait signé et produit le maître de l’instrument Ravi Shankar pour Apple Records, c’est l’utilisation du sitar par Harrison sur “Norwegian Wood” qui s’est avérée être une porte d’entrée pour le public occidental.

De même, Harrison a été l’un des premiers au Royaume-Uni à mettre la main sur un nouvel instrument puissant, le synthétiseur Moog. Bien que son fonctionnement soit archaïque (on ne pouvait maintenir qu’une seule note à la fois), il a tout de même été utilisé sur des morceaux légendaires comme “Here Comes the Sun” et “I Want You (She’s So Heavy)”. Leur utilisation d’un Mellotron dans “Strawberry Fields Forever” a également bouleversé le répertoire des instruments populaires.

Ils ont redéfini ce qu’est une “carrière solo” après avoir quitté un groupe.

Avant les Beatles, les carrières solo en dehors des groupes n’existaient pas vraiment. Dès le départ, vous étiez soit membre d’un groupe, soit une star solo. Une fois les Beatles dissous, leur popularité et leur notoriété culturelle ont contribué à propulser chacun d’entre eux vers le succès en solo (et ce n’est pas pour rien que 1970 est aussi l’année où Diana Ross s’est lancée en solo).

Ringo a sorti son premier album en mars 1970, et Paul McCartney est sorti quelques semaines avant le dernier album des Beatles, Let It Be, en mai 1970. All Things Must Pass de Harrison est arrivé en novembre de la même année, tandis que le premier effort de Lennon avec le Plastic Ono Band est arrivé en décembre.

Ce qui est encore plus remarquable, c’est que tous leurs succès en solo étaient uniques. Ringo était un troubadour country-pop loufoque, et Harrison a ouvert de nouvelles voies grâce à son écriture distincte et émotive. Lennon a alterné les disques de blagues trash et les plaidoyers sincères, tandis que McCartney a été le caméléon du rock & roll, changeant avec les époques et obtenant des succès même dans les années 2010.

Ils ont créé l’un des premiers véritables albums conceptuels de rock and roll.

Pendant longtemps, les albums de rock et de pop ont été considérés comme une collection de singles potentiels. Rien d’extraordinaire, et rarement, voire jamais, de thématique. Les choses ont changé dans les années 1950, lorsque Frank Sinatra a commencé à sortir des albums comme In the Wee Small Hours (1955), dans lesquels toutes les chansons avaient un ton mélancolique cohérent. Alors que Pet Sounds des Beach Boys a conduit l’ère du rock au pays de l’album conceptuel avec un disque qui s’est avéré quelque peu autobiographique, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band a fait un bond en avant par rapport à tous les autres.

Le groupe jouant un groupe qui n’est pas lui-même, ce méta-commentaire était bien plus complexe que les caricatures qu’ils dépeignaient sur A Hard Day’s Night. Ringo a joué le rôle de Billy Shears, mais il n’était qu’une partie d’un étrange récit entrelacé qui serait difficile à digérer s’il n’était pas intégré à certaines des meilleures chansons jamais enregistrées.

Ils ont changé la façon dont la musique rock était évaluée par la critique.

Si Elvis, les Supremes et les Beatles sont aujourd’hui considérés comme les piliers sur lesquels repose toute la musique populaire, cela n’a pas toujours été le cas. Les critiques musicaux existaient bien avant que “Five O’Clock Rock” n’arrive sur les ondes, mais ils n’évaluaient pas le rock & roll avant que le genre ne soit établi. Elvis était populaire mais facile à rejeter en raison de sa terrible carrière cinématographique. Mais lorsque les Beatles sont arrivés, il était impossible d’ignorer leur incroyable sens de l’art. Les Beatles ont obtenu la toute première nomination pour l’album de l’année aux Grammys (pour Help !) et ont été le premier groupe de rock à remporter ce prix (pour Sgt. Pepper’s). L’invasion britannique a entraîné l’essor de la critique rock, et ce sont ces mêmes critiques qui ont contribué à maintenir l’héritage des Beatles à flot.

Ils ont contribué à l’émergence du mouvement de la contre-culture.

En août 1964, les Beatles ont rencontré Bob Dylan, qui les a ensuite initiés à l’herbe. Le mouvement de la contre-culture des années 60 commençait à se répandre, et tandis que les hippies cherchaient à atteindre une conscience supérieure, ces quatre jeunes hommes de Liverpool faisaient de même. Tout a commencé avec une chanson “The Word”, tirée de l’album Rubber Soul (1965), qui exprime leur sincère appel à l’amour universel, mais le mouvement s’est rapidement étendu à des chansons trippantes avec une instrumentation ornée et même à un film d’animation trop étrange pour être dit, intitulé Yellow Submarine. Alors que l’usage des psychédéliques commençait à devenir populaire, les Fab Four étaient en plein dedans, offrant aux fans les meilleures bandes sonores pour le trip et les images les plus folles pour les accompagner. Le critique musical Jim DeRogatis les a un jour qualifiés d'”apôtres de l’acide du nouvel âge”. Daytrippin’.

Ils n’avaient pas peur de la controverse et ont montré au monde comment la surmonter.

Lorsque vous êtes le plus grand groupe de la planète, tout ce que vous faites et dites est scruté à la loupe, et le commentaire désinvolte de John Lennon, au printemps 1966, sur le fait que les Beatles devenaient “plus populaires que Jésus” a suscité l’indignation. Dans sa citation originale et dans les conférences de presse qui ont suivi, Lennon n’a jamais laissé entendre que les Beatles étaient plus importants que Jésus, mais les protestations ont tout de même eu lieu. Si la controverse et le rock ne sont certainement pas étrangers l’un à l’autre, les remarques de Lennon ont prouvé l’importance des Beatles et ce qu’ils pouvaient supporter.

Leur enregistrement sur Ed Sullivan a provoqué un changement culturel

Le théâtre Ed Sullivan du Studio 50 peut accueillir 728 spectateurs lors d’un enregistrement en direct. Lorsqu’Elvis Presley s’est produit en 1957, CBS a reçu plus de 7 000 demandes de billets. Lorsque les Beatles se produisent en 1964, le studio reçoit plus de 50 000 demandes. La demande était énorme, mais l’impact a été plus grand que quiconque n’aurait pu le prévoir : plus de 73 millions de personnes ont suivi la diffusion, et pour beaucoup, la manie, l’énergie et le charme qui se dégageaient des écrans de télévision ont déclenché dans leur cerveau un interrupteur qui leur a donné envie de devenir des rockstars. Billy Joel, Nancy Wilson, Tom Petty et bien d’autres ont cité cette émission comme la raison pour laquelle ils ont voulu se lancer dans la musique. L’enregistrement lui-même est devenu un tel héritage de la culture pop que tout le monde, d’OutKast à BTS, lui a rendu hommage.

Ils ont bouleversé l’idée reçue selon laquelle les faces B étaient des “chansons moins importantes”

Au début de l’ère du rock, il y avait les albums, les singles et les faces B. Les albums et les singles étaient parfois séparés. Si les albums et les singles étaient parfois des entités distinctes, la radio donnait plus d’importance au single, et la plupart des albums contenaient les singles, mais peut-être pas ces enregistrements de chiens errants qui n’étaient pas jugés assez dignes d’être publiés sur un album proprement dit.

Les Beatles ont contrecarré cette tendance en mettant certaines de leurs meilleures œuvres sur le dos des grands succès radiophoniques, créant ainsi une discographie secrète parallèle à leur discographie principale. Oui, leurs doubles faces A ont également connu un succès fulgurant, mais si nous devions choisir les meilleures faces retournées des Beatles, nous devrions opter pour “Rain” de 1966 et l’extraordinaire “Don’t Let Me Down” de 1969.