Fine Line : McCartney et Godrich, la pop en cravate noire

Il y a des chansons qui avancent en costume sombre, l’air impeccable, mais avec une tension dans la nuque. Fine Line est de celles-là : trois minutes de pop nerveuse où Paul McCartney marche sur une corde raide, entre audace et inconscience, sans jamais lever la voix. En 2005, au moment d’ouvrir Chaos and Creation in the Backyard, il choisit justement de ne pas jouer la carte du tube clinquant : il préfère l’élan rythmique, le piano qui martèle, la guitare qui mord et cette petite aspérité — la « mauvaise » note gardée par Nigel Godrich — qui réveille l’oreille. Avec un producteur qui n’est pas un yes-man, McCartney accepte d’être contredit, taillé, mis à nu, et le morceau devient un autoportrait indirect : la légende face à son propre mythe, l’artisan face à la facilité. Dans les cordes de Joby Talbot comme dans la pulsation du groupe, on entend une idée simple : le courage artistique n’est pas de faire plus grand, mais plus juste. Retour sur un single discret, et pourtant crucial, qui prouve que Paul n’a jamais été un musée.

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Fine Line est une chanson qui avance en cravate noire, mais les poings serrés. Une pop impeccablement peignée, oui, mais avec une nervosité sous la peau, comme si chaque mesure cherchait à tenir l’équilibre sur une corde raide. Sortie à la fin de l’été 2005 en éclaireuse de Chaos and Creation in the Backyard, elle ressemble à un manifeste discret : Paul McCartney n’a pas besoin de réinventer la roue pour surprendre, il lui suffit de la faire rouler autrement, d’accepter la petite déviation, l’angle mort, la « mauvaise » note qui ouvre un passage secret. Et derrière ce morceau faussement simple, il y a tout ce qui rend McCartney passionnant depuis soixante ans : le goût de la mélodie, l’instinct du studio, la science de l’arrangement, et cette manière unique de parler du monde sans avoir l’air d’y toucher.

Ce que Fine Line raconte, au fond, c’est une question morale travestie en chanson pop. Où s’arrête le courage, où commence la témérité. Où s’arrête l’audace, où commence l’inconscience. Et surtout : qui décide ? Le téméraire se voit souvent héroïque. Le courageux peut passer pour un inconscient. Cette ambiguïté, McCartney la chante comme on ouvre une fenêtre en grand, sans conclure, sans sermon, avec une lucidité presque tendre. Il ne juge pas, il observe. Et il s’observe lui-même, parce que personne n’a autant vécu sur cette frontière que lui : gamin de Liverpool devenu Beatles, compositeur au sang froid dans la tempête, chef de bande avec Wings, survivant des années de procès, d’enterrements et de reconstructions, artiste qui a parfois choisi la prudence et parfois tout l’inverse.

Avec Nigel Godrich à la production, l’affaire prend une dimension particulière. Godrich n’est pas un yes-man. C’est l’homme qui a appris à Radiohead et Beck à transformer l’angoisse en architecture sonore. Dans l’univers McCartney, fait de savoir-faire, de facilité apparente et de « ça coule tout seul », Godrich arrive comme un architecte brutaliste dans un jardin anglais : il taille, il épure, il dérange, il oblige Paul à se regarder dans un miroir sans filtre. Et Fine Line, qui ouvre l’album, a quelque chose d’une porte qu’on franchit : on entre dans un disque où l’on sent le bois des instruments, l’air des pièces, la fatigue parfois, la grâce souvent. Un disque où McCartney semble dire : « Je ne vais pas vous impressionner. Je vais être vrai. »

Sommaire

• 2005, McCartney face à son propre mythe
• Nigel Godrich, ou l’art de faire sortir Paul de sa zone de confort
• Une phrase, un dilemme : la frontière entre courage et témérité
• L’accident musical : quand la « mauvaise » note devient signature
• Une mécanique pop sous microscope : le cœur rythmique de Fine Line
• Joby Talbot et le Millennia Ensemble : l’élégance des cordes, sans pathos
• Paroles : l’ambivalence comme maturité
• Fine Line, premier signal de Chaos and Creation : un single qui refuse le spectaculaire
• Sur scène : l’épreuve du réel et la confirmation
• L’ombre des Beatles, la lumière de Paul : Fine Line comme autoportrait indirect
• Pourquoi Fine Line compte encore

2005, McCartney face à son propre mythe

Au milieu des années 2000, Paul McCartney est dans une position bizarre, presque impossible à tenir. Il est à la fois une légende vivante et un artiste encore en activité, donc une cible. On lui a déjà tout donné, tout repris, tout reproché. Chaque disque devient une occasion de rejouer un procès éternel : est-il encore pertinent, est-il encore inspiré, est-il encore dangereux ? Ce qui est injuste, bien sûr, parce que le danger chez McCartney n’a jamais été celui du rockeur maudit qui se fracasse contre la nuit ; son danger est plus subtil, plus sournois, presque plus rare : celui de la facilité, de la tentation de faire « du McCartney », de produire une chanson parfaitement acceptable que personne ne détestera mais que personne ne défendra avec le couteau entre les dents.

Justement, Chaos and Creation in the Backyard arrive comme une réponse à cette tentation. Pas parce que McCartney aurait soudain décidé de devenir austère, mais parce qu’il accepte enfin de se laisser contredire frontalement. Il a déjà connu des producteurs prestigieux, des complices historiques, des studios luxueux. Mais ici, il invite un homme plus jeune, marqué par une esthétique contemporaine, et surtout par une méthode : l’exigence, la sélection, l’élimination. McCartney, qui a toujours été un bâtisseur de chansons, se retrouve face à quelqu’un qui préfère parfois démolir pour reconstruire mieux.

Fine Line, dès ses premières secondes, porte ce climat. Ce n’est pas une chanson qui cherche à séduire à tout prix. Elle n’a pas le clinquant d’un single triomphant, pas le « hook » énorme qui vous saute au visage. Elle avance plutôt par élan rythmique, par insistance, par tension intérieure. Et ce choix est déjà un commentaire sur le sujet du texte : il y a une frontière entre la bravoure et l’exhibition. McCartney n’exhibe pas. Il tient.

Il faut aussi se rappeler ce que représente 2005 dans la manière dont on consomme la musique. Le single, tel que les Beatles l’ont connu, n’existe plus vraiment de la même façon. On bascule d’un monde où un 45 tours pouvait changer la météo d’un pays à un monde où l’attention se disperse, où les classements deviennent moins symboliques, où la pop se consomme par fragments. Dans ce contexte, sortir Fine Line en premier extrait n’est pas une stratégie de conquête ; c’est plutôt un signal : l’album ne sera pas un défilé de tubes, mais un récit.

Nigel Godrich, ou l’art de faire sortir Paul de sa zone de confort

On a parfois résumé la collaboration entre Paul McCartney et Nigel Godrich à une image facile : le producteur « moderne » qui vient « sauver » une icône. C’est plus complexe, et surtout plus intéressant. Godrich n’est pas là pour moderniser McCartney à coups de gadgets. Il est là pour le déplacer. Pour le priver de certains réflexes. Pour casser l’automatisme, cette chose redoutable qui guette tout compositeur à la très longue carrière : la capacité à écrire vite, bien, et sans risque.

McCartney, depuis les Beatles, a toujours eu un rapport quasi physique au studio. Il aime l’accumulation, les idées qui jaillissent, l’excitation de l’overdub, le plaisir enfantin d’essayer un instrument « juste pour voir ». Godrich, lui, vient avec une autre culture : celle où chaque son doit avoir une raison, où le vide compte autant que le plein, où l’on accepte de refaire, d’abandonner, de ne garder que l’os et le nerf.

Dans cette tension, Fine Line est exemplaire. Parce qu’elle sonne à la fois comme du McCartney pur jus — la mélodie, le swing, l’évidence — et comme quelque chose de plus tenu, de plus resserré, presque ascétique dans son efficacité. La chanson ne s’étale pas. Elle ne s’offre pas une longue coda, une montée orchestrale grandiloquente, un final à la « Hey Jude ». Elle garde une forme compacte, presque sèche, qui la rend d’autant plus nerveuse.

Ce qui est fascinant, c’est que cette « austérité » apparente ne retire rien à l’émotion. Au contraire. Elle la concentre. McCartney n’a pas besoin de vous tirer des larmes par la manche. Il vous met face à une idée simple, il la martèle avec une musique qui avance, et il vous laisse faire le reste. C’est une leçon d’écriture : parfois, la profondeur ne vient pas de la complexité, mais de la précision.

Une phrase, un dilemme : la frontière entre courage et témérité

Le point de départ de Fine Line, c’est une phrase qui ressemble à un proverbe, une de ces vérités qu’on croit connaître jusqu’au jour où on la vit dans sa chair : il existe une ligne fine entre la témérité et le courage. Dans la bouche de McCartney, cela devient plus qu’une observation sociale. C’est presque un autoportrait. Parce qu’il a été, à tour de rôle, l’homme prudent et l’homme audacieux. Celui qui a su temporiser dans les crises, et celui qui a foncé quand tout le monde disait non.

Le génie de McCartney, ici, c’est qu’il ne transforme pas le dilemme en morale. Il ne dit pas : « soyez courageux ». Il ne dit pas non plus : « ne soyez pas imprudents ». Il dit : regardez comme la frontière est floue, comme l’intention ne suffit pas à définir l’acte. Certains crient et pensent chanter avec bravoure ; d’autres crient parce qu’ils ont perdu le contrôle. Certains prennent un risque calculé ; d’autres se jettent dans le vide en appelant ça du courage. La chanson ne tranche pas, elle expose.

Cette exposition est d’autant plus puissante qu’elle s’inscrit dans le vocabulaire mccartneyen : celui des mots simples qui cachent des gouffres. McCartney n’est pas un parolier de slogans hermétiques, ni un diariste brutal. Il préfère les images quotidiennes, les phrases qui semblent presque anodines. Et c’est précisément ce qui rend Fine Line troublante : derrière des mots accessibles, on sent un homme qui a compris que la vie se décide souvent sur des détails, des impulsions, des micro-choix.

Et puis il y a cette ironie magnifique : l’album s’appelle Chaos and Creation in the Backyard, et la chanson contient justement une idée de frontière, de séparation entre le chaos et l’acte créatif. Comme si McCartney reliait tout : le courage, le risque, l’art, la vie quotidienne, le jardin derrière la maison. La création n’est pas un temple. Elle est dans la cour, dans l’arrière-cuisine, dans la zone où l’on bricole, où l’on se trompe, où l’on recommence.

L’accident musical : quand la « mauvaise » note devient signature

On parle souvent de McCartney comme d’un mélodiste « naturel », comme si les chansons lui tombaient du ciel, parfaites, prêtes à l’emploi. Ce mythe est tenace, et McCartney lui-même l’entretient parfois, parce que c’est agréable de croire à la grâce. Mais la vérité, c’est que McCartney est aussi un artisan. Un homme qui cherche, qui teste, qui se trompe, qui écoute, qui comprend après coup pourquoi une erreur est meilleure qu’une intention.

Dans Fine Line, il existe un moment clé qui résume tout cela : l’histoire de la note « fausse ». McCartney travaille le morceau, un riff tourne autour du motif « Fine line », et il joue une note qui n’était pas prévue. Un réflexe de musicien pourrait pousser à l’effacer immédiatement, à corriger. Mais Godrich, lui, entend autre chose : un déraillement intéressant, une tension inattendue, un endroit où l’oreille se réveille parce que la musique refuse d’aller là où on l’attend.

C’est presque une parabole sur le thème même de la chanson. La différence entre témérité et courage, c’est parfois ça : oser garder ce qui dévie, assumer l’accident au lieu de le maquiller. Dans le studio, McCartney choisit le courage artistique : il accepte que la chanson contienne une aspérité, une micro-fêlure qui la rend vivante.

Et il faut insister : ce n’est pas un caprice « arty ». Ce n’est pas une provocation. C’est une façon de rappeler que la pop, quand elle est grande, n’est pas un produit lisse. C’est une matière. Un corps. Une respiration. Les Beatles le savaient déjà : beaucoup de leurs moments les plus magiques viennent d’une prise imparfaite, d’un instrument qui fuit, d’une voix qui craque, d’un arrangement bricolé qui devient définitif parce qu’il sonne vrai.

McCartney, en 2005, retrouve cette vérité. Il n’a plus besoin d’être impeccable. Il a besoin d’être juste.

Une mécanique pop sous microscope : le cœur rythmique de Fine Line

À la première écoute, Fine Line peut sembler simple : un piano qui « pousse », une guitare qui répond, une voix qui s’installe, des cordes qui colorent. Mais cette simplicité est trompeuse. C’est une chanson construite comme une machine nerveuse, où chaque élément sert le mouvement, où rien ne traîne. Le morceau est court, presque compact, et pourtant il donne une impression d’élan, de route, de course contenue.

Le piano est central, pas comme instrument « noble » ou sentimental, mais comme moteur rythmique. McCartney joue un piano qui n’est pas celui des ballades, mais celui du rock, du boogie contenu, du martèlement contrôlé. On entend l’héritage de Little Richard, évidemment, mais filtré par l’âge, par l’expérience, par une sorte de pudeur nouvelle : il ne s’agit pas de faire le show, il s’agit de tenir une pulsation qui permet au texte de respirer.

La guitare, elle, n’est pas là pour faire joli. Elle mord. Elle ponctue. Elle dialogue. Certains critiques ont parlé d’un « duel » entre piano et guitare, et ce mot n’est pas exagéré : il y a une forme d’affrontement ludique, comme deux voix qui se défient sans se détester. Ce duel renforce le thème : deux pôles, deux énergies, deux façons d’avancer, et entre les deux une ligne fine.

La basse, typiquement mccartneyenne, fait plus que soutenir : elle raconte une autre mélodie en dessous, elle danse, elle contourne. Et la batterie, jouée avec ce « feel » légèrement anglais que McCartney a toujours revendiqué, refuse la virtuosité pour privilégier l’attaque, la franchise. C’est un choix esthétique fort : la chanson parle de courage et de témérité, elle doit donc avancer avec une batterie qui ressemble à un pas décidé, pas à une démonstration technique.

Ce qui frappe, au final, c’est la cohérence entre le fond et la forme. La chanson dit : « attention, tu marches sur une frontière ». La musique fait exactement ça : elle vous emmène sur une frontière harmonique, elle glisse, elle surprend, elle retombe sur ses pieds. Elle ne vous laisse pas vous endormir.

Joby Talbot et le Millennia Ensemble : l’élégance des cordes, sans pathos

Les cordes de Fine Line sont un cas d’école. McCartney a toujours aimé les arrangements orchestraux, parfois jusqu’à l’excès, et il a dans son histoire quelques chefs-d’œuvre du genre. Mais il sait aussi que l’orchestre peut devenir un maquillage, une facilité émotionnelle, un moyen de gonfler artificiellement une chanson. Dans Chaos and Creation in the Backyard, l’orchestre est utilisé autrement : par touches, avec une sobriété presque inhabituelle chez lui.

Sur Fine Line, les cordes interprétées par le Millennia Ensemble, sous la direction et les arrangements de Joby Talbot, ne viennent pas dire au public quoi ressentir. Elles ne versent pas dans le drame. Elles apportent une texture, une lumière oblique. Elles renforcent l’idée de « ligne » : quelque chose de fin, de délicat, de tendu.

On pourrait croire que cette retenue vient surtout de Godrich, mais elle ressemble aussi à un McCartney plus mature, plus sûr de ce qu’il peut obtenir sans en rajouter. Les cordes, ici, ne sont pas un final hollywoodien. Elles sont une manière de rappeler que la pop peut être raffinée sans devenir prétentieuse, et que l’intimité peut cohabiter avec une dimension « grande » tant que l’arrangement reste au service du morceau.

Il y a quelque chose de profondément beau dans ce choix : McCartney, souvent caricaturé comme l’homme des mélodies sucrées, prouve qu’il sait manier la sophistication avec une économie presque ascétique. Les cordes ne volent pas la vedette. Elles s’infiltrent. Elles habillent sans étouffer. Elles donnent au morceau une profondeur de champ, comme si la chanson, tout en avançant, laissait derrière elle une traîne d’air.

Paroles : l’ambivalence comme maturité

Les paroles de Fine Line ne sont pas un pamphlet. Elles n’ont pas la violence, la colère ou l’ironie frontale que d’autres auteurs auraient pu mobiliser sur ce thème. McCartney choisit une autre voie : la description et la mise en tension. Il part d’une phrase simple, il la déplie, et il laisse apparaître des questions que chacun peut projeter sur sa propre vie.

Ce qui rend le texte fort, c’est qu’il ne se contente pas d’opposer deux catégories. Il montre que la perception est un piège. La témérité peut être applaudie comme du courage. Le courage peut être mal compris, voire invisibilisé. Et surtout : dans la réalité, on ne sait pas toujours, au moment où l’on agit, de quel côté de la ligne on se trouve.

C’est une chanson sur le choix, mais aussi sur l’ignorance. On décide souvent dans le brouillard, sur la base d’un instinct, d’un désir de se prouver quelque chose, ou d’une peur de paraître lâche. McCartney, à l’âge où d’autres se contentent de répéter leurs victoires, écrit une chanson qui accepte cette complexité. Il ne se pose pas en sage qui sait. Il se pose en homme qui observe, et qui admet que la vie est souvent faite de décisions imparfaites.

Ce qui est beau, c’est que cette ambivalence n’est pas froide. Elle n’est pas cynique. Elle ressemble plutôt à une compassion discrète : oui, les gens se trompent en croyant être courageux ; oui, on peut se ridiculiser ; oui, on peut se mettre en danger pour de mauvaises raisons. Mais au lieu de juger, McCartney raconte. Il tient une distance juste. Il ne se moque pas. Il ne s’excuse pas. Il regarde l’humain, avec ses contradictions, et il en fait une chanson qui avance.

Et cette façon de faire est profondément mccartneyenne : là où Lennon aurait peut-être attaqué, McCartney comprend. Là où d’autres auraient moralisé, il laisse la place. Ce n’est pas une faiblesse. C’est une esthétique.

Fine Line, premier signal de Chaos and Creation : un single qui refuse le spectaculaire

Choisir Fine Line comme premier single, c’est choisir une chanson qui n’a pas l’évidence flamboyante d’un tube radio calibré. C’est une piste d’ouverture, ce qui compte : elle présente un univers, elle installe une couleur, elle annonce une méthode. On comprend vite qu’on n’est pas dans une logique de « best of » du McCartney solo. On est dans un disque qui se tient, qui raconte quelque chose, et où chaque morceau est une pièce du puzzle.

Le single, dans sa matérialité, dit aussi beaucoup. La pochette, dessinée par Brian Clarke, joue sur la ligne, le trait, la simplicité graphique. C’est presque une blague élégante : une chanson qui s’appelle Fine Line portée par un visuel qui assume la ligne comme concept. Mais c’est plus qu’un jeu de mots : cela inscrit le morceau dans l’esthétique globale du projet, celle d’un McCartney qui se dépouille, qui préfère le trait au coloriage, la suggestion à l’affichage.

Et puis il y a les faces B, ces morceaux satellites qui racontent toujours quelque chose de l’époque. McCartney, dans les années 2000, continue de traiter le single comme un objet qui mérite d’être enrichi. La présence de titres comme Comfort of Love ou Growing Up Falling Down autour de Fine Line donne l’impression d’un atelier : on voit les copeaux, les essais, les variantes, les routes non prises. Ce n’est pas un simple produit promotionnel ; c’est une petite extension de l’univers Chaos and Creation.

Commercialement, le single n’est pas un raz-de-marée, et c’est précisément ce qui le rend touchant. McCartney n’a plus besoin de gagner. Il a besoin de choisir. Et choisir Fine Line, c’est choisir une chanson qui ne crie pas « regardez-moi », mais qui résiste à l’usure, parce qu’elle est construite sur une idée forte et une réalisation impeccable.

Sur scène : l’épreuve du réel et la confirmation

Une chanson de studio peut être magnifique et rester enfermée dans son écrin. McCartney, lui, a toujours eu un rapport particulier à la scène : c’est l’endroit où l’on vérifie la vérité d’un morceau. Fine Line, jouée pendant la tournée qui suit la sortie de l’album, devient une preuve : le morceau tient debout hors du laboratoire. Il garde son énergie, sa tension, son côté « en avant ». Il se transforme même : la scène accentue le caractère rock du piano, la dynamique du groupe, la dimension presque « drive » du morceau.

Et c’est là que l’on comprend pourquoi Fine Line est un bon choix d’ouverture d’album et un bon choix de morceau de tournée : elle fait le pont. Elle relie le McCartney du studio, artisan maniaque, au McCartney de la scène, entertainer monumental. Elle est moderne dans sa production, mais classique dans son efficacité. Elle sonne contemporaine, mais elle a la solidité d’un morceau qu’on pourrait imaginer joué dans un club, avec juste un piano et une guitare.

Il y a aussi quelque chose de symbolique : McCartney, en 2005, ne tourne pas seulement pour célébrer un catalogue. Il tourne pour défendre un disque récent, un disque qui compte. Fine Line devient alors une déclaration de principe : « je ne suis pas un musée ». Et le public, même celui qui vient surtout pour les Beatles, entend qu’il y a ici une chanson qui n’est pas une concession, pas une relecture nostalgique, mais une proposition.

On pourrait même dire que Fine Line est une chanson de tournée au sens noble : une chanson qui, en concert, prend une dimension physique, presque sportive, parce qu’elle est construite sur une pulsation insistante. Elle ne vous caresse pas. Elle vous entraîne.

L’ombre des Beatles, la lumière de Paul : Fine Line comme autoportrait indirect

Écrire sur McCartney sans parler des Beatles est impossible, et parfois inutilement culpabilisant. Parce que l’enjeu n’est pas de faire comme si l’histoire n’existait pas ; l’enjeu est de comprendre comment elle continue de circuler dans les chansons. Fine Line n’est pas une chanson « à la Beatles ». Elle n’a pas la structure surprenante d’un classique de 1966, ni l’éclat psychédélique d’une face B de 1967. Et pourtant, elle porte l’ADN Beatles de manière souterraine.

D’abord, par cette idée que l’accident peut devenir beauté. Les Beatles ont bâti une partie de leur magie sur l’acceptation du hasard : une prise gardée parce qu’elle vibrait, une erreur devenue un moment iconique. Ensuite, par la manière dont McCartney pense l’arrangement comme une conversation entre instruments. Chez les Beatles, les parties ne se contentent pas de « servir » la chanson ; elles se parlent, elles se répondent, elles se contredisent. Dans Fine Line, le piano, la guitare, la basse, les cordes jouent ce jeu.

Et puis il y a le thème : la frontière entre témérité et courage. Qu’est-ce que les Beatles, sinon une histoire écrite sur cette frontière ? Devenir le plus grand groupe du monde à vingt-quatre ans est une forme de témérité qui ressemble à du courage, ou l’inverse. Monter sur un toit en plein Londres pour jouer un concert improvisé est une témérité devenue mythologie. S’enfermer en studio pour inventer un son que personne n’a entendu est un courage artistique qui peut passer pour de l’inconscience. McCartney, en 2005, chante cette frontière comme s’il la reconnaissait, comme s’il disait : « je sais ce que c’est, j’y ai vécu. »

Mais ce qui est important, c’est qu’il ne fait pas de la nostalgie. Fine Line ne dit pas « c’était mieux avant ». Elle ne dit pas « regardez ce que j’ai fait ». Elle parle au présent. Elle parle à l’humain. Et c’est peut-être ça, la vraie force de McCartney : réussir à écrire des chansons qui portent un poids historique immense sans devenir des monuments inertes. Il a été un symbole ; il redevient un homme. Et il le fait avec une chanson de trois minutes qui avance comme un train nerveux.

Pourquoi Fine Line compte encore

Il existe des chansons de McCartney qu’on cite immédiatement : les grands standards, les hymnes, les ballades qui ont colonisé la mémoire collective. Fine Line n’est pas de cette catégorie. Elle est plus discrète. Plus intérieure. Mais elle a une qualité rare : elle résiste à la réécoute. Elle ne s’use pas parce qu’elle n’est pas construite sur un effet facile. Elle est construite sur une idée et sur une tension.

Elle compte aussi parce qu’elle capture un moment précis de la carrière de McCartney : celui où il accepte d’être déplacé, bousculé, remis en question par un producteur qui ne tremble pas devant le mythe. Elle compte parce qu’elle ouvre un album qui, pour beaucoup, représente l’un des sommets de son œuvre solo tardive, un disque où la maturité n’est pas synonyme de tiédeur, mais de précision.

Et elle compte, enfin, parce qu’elle offre une définition possible du courage artistique. Le courage, pour un artiste au statut de McCartney, ce n’est pas de faire plus grand, plus fort, plus spectaculaire. Le courage, c’est parfois de faire plus juste, plus serré, plus vrai. C’est accepter que la ligne est fine, que la frontière est instable, et que l’on ne saura jamais totalement de quel côté on est. Alors on avance. On joue. On chante. On laisse la musique décider.

Fine Line n’est pas un coup de tonnerre. C’est mieux que ça : c’est une preuve de vie.