Art amerindien

L'art amérindien est l'art produit par les peuples indigènes d'Amérique à l'époque précolombienne, et par ceux qui ont perpétué cette tradition.

En 1520, Albrecht Dürer, voyant les trésors rapportés du Mexique par Cortès et ses compagnons et offerts à Charles Quint, ne peut se retenir d'exprimer son admiration  : « De ma vie je n'ai rien vu qui m'ait autant réjoui le cœur... j'y ai vu des objets d'art étonnants et j'ai été émerveillé de la capacité d'invention subtile des hommes de ces pays inconnus. »

Amérique du Nord

C’est au XIXe siècle, avec la reconnaissance de l’ethnographie en tant que discipline académique, que ces objets seront exposés dans des musées d’histoire naturelle. Pourtant même lorsque l’on commencera à appliquer le terme d’art, dans son sens moderne, aux objets fabriqués par les autochtones d'Amérique du Nord (ou par d’autres populations non occidentales), il sera le plus souvent accompagné de qualificatifs tels que décoratif ou ornemental et perçu comme plus proche de l’artisanat que du grand art européen.

Il est également admis que dans les sociétés tribales, l’art était nécessairement lié à la fonction et que la créativité individuelle n’avait pas l’importance qu’elle a acquise dans l’art européen.

Les artistes modernes européens et américains mettront du temps à découvrir l'art autochtone nord-américain en comparaison de l’intérêt relativement précoce suscité par les objets africains chez les cubistes. Dans ce cas précis, ce sont surtout les surréalistes venus d’Europe, comme Max Ernst, qui verront dans l’art amérindien une source de renouveau, un regard plus aigu, représentatif à leurs yeux du « monde primitif ».

Amérique du Sud

D’autres artistes modernes, tels que l’américain John Sloan, ont contribué à ce que la peinture indienne soit mieux acceptée par de plus nombreux milieux artistiques. En 1920 notamment, Sloan ayant entendu parler des peintres autochtones de San Ildefonso, organisera une exposition de leurs œuvres à la Société des Artistes Indépendants de New York. D’autres expositions de peintures indiennes auront lieu au cours des années suivantes.

Finalement, à la suite d’un complet revirement de la politique fédérale, une école d’art indien subventionnée par le gouvernement et dénommée The Studio, sera ouverte en 1932. Avec l’émergence d’une tradition picturale panindienne, nul ne peut désormais nier que cet art soit de l’art. C’est donc la première exposition d'art amérindien prenant exclusivement en considération la « valeur esthétique ».

D’autres jalons seront posés sur la voie de la reconnaissance de l’artisanat tribal indien comme art à part entière, avec l’exposition organisée en 1939 pour l'Exposition internationale du Golden Gate de San Francisco ainsi qu’en 1941 au Museum of Modern Art de New York. De la fin des années 1940 jusque dans les années 1950, cette progression va être freinée en partie à cause du désintérêt du public pour la question amérindienne, désintérêt correspondant à la politique officielle d’assimilation de l’époque.

Depuis les années 1960, l’art nord-amérindien est parvenu à une reconnaissance universelle. La tenue d’importantes expositions dans des musées ou des galeries, la publication de nombreux livres d’art et une revue spécialisée, surtout le développement d’un marché de la production tribale pratiquant des prix prouvant qu’il s’agit d’art, attestent ce changement positif.

Parallèlement, de nombreux artistes contemporains, d'origine amérindienne, expriment à travers leurs peintures ou sculptures d'anciennes traditions, techniques ou mythes.

D'après Wikipédia