se termine le 26 août
Au-delà d'un accrochage, " Au diapason du monde " se veut une
exposition sur la base d'une thématique précise. Celle-ci renvoie aux
questionnements actuels liés à la place de l'Homme dans l'univers
et à la nouvelle approche qui le lie à son environnement et au monde
du vivant, soulignant les interconnexions entre l'humain, l'animal,
le végétal voire le minéral.
Deux parcours complémentaires dans l'ensemble du bâtiment :
Le Parcours A, présenté au niveau 2 du bâtiment
(galeries 9, 10 et 11), offre une plongée dans l'univers de
l'artiste japonais Takashi Murakami (né en 1962).
S'appuyant sur l'histoire politique, culturelle et sociale du Japon,
Takashi Murakami cultive un monde à part, à la fois sombre et
fabuleux, qui combine l'esthétique Kawaii à des références aux
traumatismes de son pays, comme la bombe atomique ou plus
récemment le tsunami. À travers une multiplicité de formes et
de supports (peinture, sculpture, vidéo...), auquel fait écho cet
accrochage, l'œuvre prolifique de Takashi Murakami développe un
imaginaire débridé, saturé de couleurs et peuplé de créatures
fantastiques, mi-humaines mi-animales où se mêlent culture
populaire et savante, iconographie bouddhique et manga,
tradition et modernité, Occident et Orient, technique ancestrale
et technologie de pointe.
Cette présentation, conçue en collaboration étroite avec l'artiste,
s'articule autour de trois ensembles :
- La galerie 9 est dédiée à DOB, premier personnage inventé
par l'artiste en 1993 et considéré comme son alter ego.
Il apparaît aussi bien sous les traits d'une charmante souris
dans le style de Mickey Mouse que d'un monstre malicieux
ou féroce couvert d'yeux et aux dents acérées.
- La galerie 10 montre une fresque monumentale présentée
pour la première fois à Paris.
Intitulée T he Octopus eats its own leg (2017), elle met e
n scène des personnages de la mythologie traditionnelle
chinoise entourés d'une faune et d'une flore généreuses
et merveilleuses. En s'appropriant l'iconographie traditionnelle
de la peinture japonaise du 18e siècle combinée au style
des grandes fresques historiques, l'artiste livre une version
contemporaine des Huit Immortels de la religion taoïste.
- La galerie 11 propose un espace Kawaii, (''mignon'' en japonais)
esthétique japonaise que l'artiste s'approprie à travers une pluralité
de formes et de supports : sculpture, papiers peint, peinture de
fleurs ou encore film d'animation d'inspiration manga.
Le Parcours B, L'homme dans l'univers du vivant, réunit
28 artistes français et internationaux de générations différentes,
toutes techniques confondues. Il s'étend sur les trois autres
niveaux du bâtiment et à l'extérieur, dans le Grotto.
S'inspirant de l'injonction de Roland Barthes dans
La Chambre claire (1980)
" J'ai décidé de prendre pour guide la conscience de mon émoi ",
les œuvres s'articulent selon un principe d'affinités sensibles.
Le parcours s'organise autour de trois axes complémentaires
présentés chacun sur un niveau du bâtiment :
Irradiances (Niveau 1) ;
Là infiniment (Niveau 0) ;
L'Homme qui chavire (Niveau -1).
* Irradiances, au niveau 1, dans les galeries 5, 6 et 7 présente
des œuvres de : Matthew Barney, Mark Bradford,
Christian Boltanski,Trisha Donnelly, Dan Flavin,
Jacqueline Humphries, Pierre Huyghe,
Yves Klein, James Lee Byars, François Morellet,
Sigmar Polke,Gerhard Richter, Shimabuku et Anicka Yi.
L'intitulé " Irradiances " fait référence au rayonnement de
l'œuvre de Dan Flavin et réunit des œuvres aux supports variés :
peintures, sculptures, vidéos, installations. Chacune procède
d'un dialogue continu avec la nature et explore la matière et
ses métamorphoses dont l'ensemble compose un paysage cosmique.
Untitled de Dan Flavin, une de ses premières réalisations en tube
fluorescent, dégage une force originelle conférant à la sculpture
une vibration particulière.
Alors que les couleurs éclatantes sont rigoureusement structurées
dans Lilak (1982) de Gerhard Richter, les deux œuvres de sa série
Flow (2013) renvoient au flux de la peinture répandu par le geste
de l'artiste et régulé par la pose d'un panneau de verre sur la surface,
faisant miroir.
Selon une démarche secrètement alchimique, l'œuvre
Nachtkappe I (1986) de Sigmar Polke, est née du mélange inédit
de peinture, de jus d'indigo et de vernis à l'alcool.
Water Cast 6 (2015) de Matthew Barney témoigne de la rencontre
explosive du bronze en fusion et de l'eau, générant avec des
subtilités d'orfèvrerie, un ensemble de formes abstraites à
connotation organique
.
L'aquarium de Pierre Huyghe, Cambrian explosion (2014),
fait écho à l'explosion du même nom qui marqua l'apparition
des grandes espèces animales entre 542 et 530 millions d'années
et prend la forme d'un écosystème évoluant de manière autonome.
Le monochrome IKB81 (1957) d'Yves Klein traduit en direct
une " zone de sensibilité picturale " tandis que les éponges
RE46 (1960) et SE231 (1960) imprègnent la matière vivante
du même pigment bleu.
Reports of the rain (2014) de Mark Bradford fédère collage
et peinture dans une veine lyrique très musicale.
Faisant écho à la démarche de Polke, Jacqueline Humphries utilise
dans l'œuvre Untitled (2007) de la série " Silver Paintings ",
une laque industrielle argentée mélangée à de la peinture à l'huile.
La projection verticale de Trisha Donnelly, Untitled (2014), ouvre
une brèche mystérieuse sur un ciel de nuages en mouvement.
Dans les sculptures, Halo (1985) et Is (1989), James Lee Byars
associe deux matériaux minéraux (cuivre et marbre) à la préciosité
de l'or, en quête d'une forme parfaite.
Galerie 6, L'Avalanche (2006) de François Morellet mêle
l'ordre et le chaos.
La vidéo 3D d'Anicka Yi, The Flavor Genome (2016)
(coacquisition avec le Guggenheim Museum, New York),
développe un " documentaire fiction " mettant en scène la
recherche d'un arôme dans la forêt amazonienne.
Dans Untitled (2008) de Trisha Donnelly, une onde
magnétique jaillit du cœur d'une rose aux contours parfaits.
Dans l' Observatoire, The Snow Monkeys of Texas -
Do snow monkeys remember snow mountains?
(2016), vidéo de Shimabuku, questionne la mémoire
et la capacité d'adaptation des espèces vivantes à leur
environnement.
En galerie 7, à l'écart, Animitas (2014) de Christian Boltanski
se compose d'un film tourné en temps réel en un seul plan fixe,
dans le désert d'Atacama au Chili et d'un parterre de fleurs.
L'installation originelle se compose de huit cents clochettes
japonaises dont le tintement évoque " la musique des astres
et la voix des âmes flottantes. " Pour l'occasion, il complète
cette présentation avec une enseigne lumineuse composée
d'ampoules qui forment le mot " Après ".
* Là, infiniment..., au rez-de-chaussée, dans la galerie 4,
présente des œuvres de Cyprien Gaillard, Wilhelm Sasnal
et Adrián Villar Rojas.
À travers l'appropriation d'œuvres mythiques de l'histoire
de l'Art, ces trois artistes s'interrogent sur une certaine
domination de l'Homme dans l'histoire et sur sa possible
disparition.
Inspirée du David de Michel-Ange dont il ne reste, ici, que
les jambes, la sculpture en marbre monumentale d'
Adrián Villar Rojas, Untitled, From the series Theatre
of Disappearance (2017), apparaît comme le seul vestige
d'un monde post-apocalyptique.
Avec Bathers in Asnières (2010), Wilhelm Sasnal
réinterprète l'œuvre de Seurat à partir de souvenirs liés au
contexte de la Pologne en 1939.
Combinant des images en différentes séquences au refrain
lancinant d'une musique d' Alton Ellis " I was born a loser "
/ " I was born a winner ", Nightlife (2015)
de Cyprien Gaillard propose au spectateur une expérience
immersive en 3D.
* L'Homme qui chavire, au Rez-de-bassin, dans galeries 1, 2 et 3,
présente des œuvres de G iovanni Anselmo, Maurizio Cattelan,
Ian Cheng, Andrea Crespo, Alberto Giacometti, Dominique
Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Yves Klein,
Mark Leckey, Henri Matisse, Philippe Parreno,
Bunny Rogers et Kiki Smith.
Cette séquence s'organise autour du corps dans tous ses états,
de ses formes les plus tangibles au plus fantasmées et prend
pour point de départ l' Homme qui chavire (1950-1951)
d'Alberto Giacometti, autour duquel est présenté un ensemble
de quatre autres œuvres de l'artiste : Trois hommes qui marchent I
(1948), Buste d'Homme assis (Lotar III) (1965),
Grande femme II (1960). Tandis que Femme de
Venise III (1956-1957) est montrée pour la première fois.
A l'entrée de la galerie 1, dans M.2062 (Fitzcarraldo)
(2014), Dominique Gonzalez-Foerster fait une
" apparition " sous la forme d'un hologramme du personnage
F itzcarraldo, héros d'une fiction de Werner Herzog.
Entrare nell'Opera (1971), œuvre photographique de
Giovanni Anselmo, montre une silhouette absorbée
dans un paysage infini.
Dans Nu bleu aux bas verts (1954) d'Henri Matisse,
le corps, en papier découpé, est célébré dans l'envol
même de la danse.
La sculpture en bronze de Kiki Smith, l'Annonciation (2010),
impose une présence mystérieuse.
Dans l'a nthropométrie ANT 104 (1960) d'Yves Klein,
l'empreinte des corps, " pinceaux vivants ", est révélée par
le seul pigment bleu.
Ian Cheng dévoile dans le deuxième épisode de sa trilogie,
E missary Forks at Perfection (2015), une créature
entièrement programmée par un logiciel, alternative à l'homme
disparu.
Présenté pour la première fois en France,
Untitled (Human Mask) (2014) de Pierre Huyghe montre
un singe vêtu comme une petite fille portant un masque
Nô qui déambule dans un restaurant déserté de Fukushima.
Dans La ballade de Trotski (1996), Maurizio Cattelan
identifie l'Homme à un cheval évoquant la fin possible
des utopies. Autoportraits de l'artiste en latex, Spermini (1997),
aborde la question du double et du clonage.
Andrea Crespo explore dans son diptyque Self portrait
with Phantom Twin (2017), son identité plurielle.
Dans Study for Joan Portrait et Study for Joan Portrait
(Silence of the Lambs) (2016) inspirés du personnage
de Jeanne d'Arc de la série télévisée Clone High,
Bunny Rogers développe une galerie de portraits modélisés.
Philippe Parreno initie et clôt le parcours du rez-de-bassin
avec deux vidéos : la première The Writer (2007) -à
l'entrée en galerie 1- s'approprie l'un des premiers automates
créés au XVIIIe siècle tandis qu' Anywhen (2017) -
en Galerie 3 - filme un poulpe réactif à son environnement
accompagné d'une bande son inspirée de
Finnegans Wake de James Joyce.
À l'extérieur du bâtiment, le gigantesque Felix the cat (2017)
de Mark Leckey est installé dans le Grotto.
Commissaire général : Suzanne Pagé
Commissaires : Angéline Scherf, Ludovic Delalande et Claire Staebler
Conseiller artistique et scénographe : Marco Palmieri
Les artistes présentés sont :
Giovanni Anselmo (1934, Italie), Matthew Barney (1967, États-Unis), Christian Boltanski (1944, France), Mark Bradford (1961, États-Unis), James Lee Byars (1932-1997, États-Unis), Maurizio Cattelan (1960, Italie), Ian Cheng (1984, États-Unis), Andrea Crespo (1993, États-Unis), Trisha Donnelly (1974 , États-Unis), Dan Flavin (1933-1996, États-Unis), Cyprien Gaillard (1980, France), Alberto Giacometti (1901-1966, Suisse), Dominique Gonzalez-Foerster (1965, France), Jacqueline Humphries (1960, États-Unis), Pierre Huyghe (1962, France), Yves Klein (1928-1962, France), Mark Leckey (1964, Royaume-Uni), Henri Matisse (1869-1954, France), François Morellet (1926-2016, France), Takashi Murakami (1962, Japon), Philippe Parreno (1964, France), Sigmar Polke (1941-2010, Allemagne), Gerhard Richter (1932, Allemagne), Bunny Rogers (1990, États-Unis), Wilhelm Sasnal (1972, Pologne), Shimabuku (1969, Japon), Kiki Smith (1954, États-Unis), Adrián Villar Rojas (1980, Argentine), Anicka Yi (1971, Corée du Sud)
Jeu de briques
Snake
Pacman
Bubble