La peinture indienne du XXe siècle à nos jour

[article publié le 11 novembre 2020]
Retour en Asie avec le second pays le plus peuplé du continent (et du monde), l’Inde (avec 1,3 milliards d’habitants). Et parmi ce monde beaucoup d’artistes vraiment très intéressants et qui méritent d’être connu (et, depuis une dizaine d’années, ça commence à être le cas), comme Francis Newton Souza (un peu le Bernard Buffet indien – par son style de peinture), Bhupen Khakhar (le David Hockney indien), Amrita Sher-Gil (la Frida Kahlo indienne), ou Maqbool Fida Husain (qui, lui, serait le Picasso de l’Inde, d’après le magazine Forbes)  pour n’en citer que quelques uns…
Vous allez le voir, du fait de l’histoire même du pays, l’histoire de sa peinture se divise clairement en deux parties distinctes : avant et après 1947. C’est à dire pendant l’occupation anglaise et après l’indépendance (15 août 1947) à l’occasion de laquelle le sous-continent est divisé en deux États, basés sur la démographie religieuse (ce qui provoque l’un des plus grands déplacements de population de l’histoire : 12,5 millions de personnes rejoignent l’un ou l’autre des nouveaux pays, occasionnant de quelques centaines de milliers à un million de morts selon les estimations) : l’Inde – hindoue – et le Pakistan – musulman, ou plutôt deux Pakistan, un occidental et un oriental, ce dernier devenant en 1971, et au prix d’un conflit d’une rare violence (près de trois millions de morts, dix millions de réfugiés et 200 000 viols avérés), indépendant sous le nom de Bangladesh.
Après ces quelques joyeusetés dont notre monde est, hélas, coutumier, revenons à l’art.

La période anglaise

La peinture à l’huile et au chevalet a commencé en Inde au début du XVIIIe siècle qui a vu de nombreux artistes européens venir en Inde à la recherche de la renommée et de la fortune. Les cours des états princiers de l’Inde étaient en effet un débouché important et lucratif pour les artistes européens en raison de leur patronage des arts et spectacles et aussi de leur goût pour les portraits dans le style européen.
À partir du milieu du XIXe siècle, l’Empire britannique créé des écoles d’art dans les grandes villes. Le plus ancien, le Government College of Fine Arts, à Chennai, est créé en 1850. Mais l’attitude éclairée du XVIIIe siècle manifestée par la génération précédente de Britanniques à l’égard de l’histoire, des monuments, de la littérature, de la culture et de l’art de l’Inde a pris un sérieux virage au milieu du XIXe siècle. Cette fois il est clairement question de propager les valeurs occidentales dans l’éducation artistique et c’est dans ce but que les Britanniques établissent des écoles d’art à Calcutta et Madras en 1854 et à Bombay en 1857.
Le Bombay Art Society, la première organisation d’art à Bombay, est créé en 1888 pour promouvoir l’art contemporain et pour encourager les artistes britanniques. Par la suite Bombay Art Society commence à inclure des participants indiens dans ses expositions. Des artistes éminents comme Raja Ravi Varma et M. F. Pithawala ont soumis leurs candidatures aux concours et remporté des prix. Depuis lors, la Société a joué un rôle déterminant en tant qu’organisation de promotion de l’art en Inde.

Raja Ravi Varma

Raja Ravi Varma (1848–1906) est un peintre indien autodidacte de l’État princier de Travancore. Sa médiatisation est venue quand il a remporté le premier prix d’une exposition d’art de Vienne en 1873. Les peintures de Varma ont également été envoyées à la World’s Columbian Exposition de Chicago en 1893 où ​​son travail a reçu deux médailles d’or. Il est considéré comme le premier des modernistes et, avec Amrita Sher-gil (morte en 1941, à l’âge de 28 ans), l’un des principaux représentants des techniques occidentales pour développer une nouvelle esthétique dans l’interprétation subjective de la culture indienne. Parmi les autres peintres indiens intéressants nés au XIXème siècle, on peut citer Pestonjee Bomanjee, M. V. Dhurandhar, António Xavier Trindade, M. F. Pithawalla, Sawlaram Haldankar et Hemendranath Mazumdar.
L’œuvre de Varma est considérée comme l’un des meilleurs exemples de la fusion des traditions indiennes avec les techniques de l’art académique européen, dans le cadre colonial-nationaliste du XIXe siècle. Il est surtout connu pour ses peintures de belles femmes vêtues de sari. Mort à 58 ans, il est considéré comme l’un des plus grands peintres de l’histoire de l’art indien.

L’école du Bengale

À l’époque coloniale, les influences occidentales avaient donc commencé à avoir un impact important sur l’art indien, certains artistes développant un style qui utilisait les idées occidentales de composition, de perspective et de réalisme pour illustrer des thèmes indiens, Raja Ravi Varma en tête. L’école du Bengale est ainsi apparue comme un mouvement d’avant-garde et nationaliste réagissant contre les styles artistiques académiques précédemment promus en Inde, à la fois par des artistes indiens tels que Varma et dans les écoles d’art britanniques. Cette école est née à la Calcutta School of Art à l’intiative du professeur d’art britannique Ernest Binfield Havel et de l’artiste Abanindranath Tagore, neveu de Rabindranath Tagore, romancier, dramaturge, compositeur, prix Nobel de littérature en 1913 – et qui fut même peintre sur la fin de sa vie. Abanindranath a peint un certain nombre d’œuvres influencées par l’art moghol, un style que lui et Havel croyaient être l’expression des qualités spirituelles distinctes de l’Inde, par opposition au « matérialisme » de l’Occident. Son tableau le plus connu, Bharat Mata (Mère Inde), dépeint une jeune femme, représentée avec quatre bras à la manière de divinités hindoues, tenant des objets symboliques des aspirations nationales de l’Inde. Les autres figures éminentes de l’école du Bengale sont Gaganendranath Tagore, le frère aîné d’Abanindranath, Jamini Roy, Mukul Dey (pionnier de la gravure à la pointe sèche), Manishi Dey et Ram Kinker Baij, qui est plus connu comme le pionnier de la sculpture indienne moderne.
Au cours des premières années du XXe siècle, Abanindranath a développé des liens avec des personnalités culturelles japonaises dans le cadre d’une initiative moderniste mondialisée aux tendances pan-asiatiques, à laquelle furent associés Nandalal Bose (qui, de 11 ans plus jeune, fut l’élève d’Abanindranath Tagore dans l’université visionnaire de Shantiniketan ouverte par Rabidranath Tagore en 1924 – avant de devenir à son tour professeur puis directeur d’art – et dont les peintures sont aujourd’hui considérées parmi les plus importantes du pays) mais aussi Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, B. C. Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha, et par la suite leurs étudiants, comme A. Ramachandran et quelques autres.
L’école de pensée Shantiniketan a souligné que « le rôle de l’art était de façonner le monde » tout en établissant une version indienne du naturalisme distincte des écoles orientales et occidentales, par exemple en évitant la peinture à l’huile et au chevalet pour lui préférer le travail sur papier dessiné / coloré en utilisant des aquarelles, lavis, tempera et encres. Mais Rabidranath Tagore ne se pensait pas comme nationaliste. Pour lui, l’horizon de l’indépendance de l’Inde n’était pas celui de la nation, mais celui de l’émancipation. La liberté contre le déterminisme de la caste, du genre, du groupe social (bien menacé par la vague nationaliste hindoue conservatrice sous le règne de Modi en 2020 !). 
Certains des artistes éminents de l’école Shantiniketan sont Benode Behari Mukherjee, Ram Kinker Baij, Sankho Chaudhuri (sculpteur), Dinkar Kaushik, K. G. Subramanyan, Beohar Rammanohar Sinha, Krishna Reddy (graveur), A. Ramachandran, Sushen Ghosh (sculpteur), etc.
L’influence de l’école du Bengale sur la scène artistique indienne a progressivement commencé à s’atténuer avec la diffusion des idées modernistes après l’indépendance.

Post-indépendance

Au moment de l’indépendance en 1947, plusieurs écoles d’art en Inde donnent accès aux techniques et aux idées modernes. Des galeries sont créées pour présenter ces artistes. L’art indien moderne montre généralement l’influence des styles occidentaux, mais s’inspire souvent de thèmes et d’images indiens. Les grands artistes commencent à gagner une reconnaissance internationale, d’abord au sein de la diaspora indienne, mais aussi auprès d’un public non indien.

Le Bombay Progressive artists’ group

Le Progressive Artists’ Group, créé peu de temps après l’indépendance de l’Inde en 1947, à Bombay, a pour but de créer de nouvelles façons d’exprimer l’Inde à l’époque post-coloniale. Son fondateur est Francis Newton Souza, et S. H. Raza, M. F. Husain et Manishi Dey en sont les premiers membres. Ce groupe a profondément influencé le changement de l’idiome de l’art indien. Presque tous les artistes majeurs de l’Inde dans les années 1950 étaient associés au groupe. Les plus importants d’entre eux sont Akbar Padamsee, Sadanand Bakre, Ram Kumar, Tyeb Mehta, K. H. Ara, H. A. Gade et Bal Chabda. En 1950, V. S. Gaitonde, Krishen Khanna et Mohan Samant ont rejoint le Groupe. Le groupe s’est dissous en 1956.

D’autres groupes

• Bombay Contemporary India Artists’ Group’ Young Turks’ (1941) : soutenus par le recteur de l’école des beaux-arts de Bombay, leur style était influencé par l’art traditionnel indien et le Postimpressionnisme occidental. Membres les plus connus : Sailoz Mookherjea (ou Mukherjee), B. C. Sanyal, P. T. Reddy
• Calcutta Group (1943-53) : créé l’année de la grande famine au Bengale, pour en dépeindre l’horreur. Subho Tagore (fondateur), Paritosh Sen, Prodosh Das Gupta (sculpteur), Zainul Abedin, Nirode Mazumdar, Gopal Ghose, Gobardhan Ash en sont membre.
• Delhi Silpi Chakra (1949-68) : Avinash Chandra, B. C. Sanyal, K. S. Kulkarni, Krishen Khanna, Ram Kumar, Satish Gujral
• Baroda Group of Artists (1956-62) : K. G. Subramanyan, Jyoti Bhatt, Ghulam Rasool Santosh, Ratan Parimoo (historien de l’art), Vinay Trivedi, Shanti Dave, Narayan Shridhar Bendre.
• Society of Contemporary Artists, Calcutta (1960) : Aditya Basak, Amitabha Banerjee, Bijan Choudhury, Bikash Bhattacharjee, Dharamnarayan Dasgupta, Ganesh Haloi, Ganesh Pyne, Lalu Prasad Shaw, Manu Parekh, Nikhil Biswas, Sanat Kar, Somnath Hore, Sunil Das
• Group 1890, Bhavnagar (1962-63) : Ambadas Khobragade, Eric Bowen (a émigré à Oslo), Himmat Shah, Jagdish Swaminathan, Jeram Patel, Jyoti Bhatt
• Calcutta Painters’ Group (1964) : Rabin Mondal (mort en 2019 à 90 ans), Dhiraj Choudhury, Niren Sen Gupta, Bimal Dasgupta, Isha Mohammad, Gopal Sanyal, Prokash Karmakar, Nikhil Biswas, Bijan Choudhury
• Cholamandal Artists’ Village et le Madras Movement of Art (1966) : Akkitham Narayanan (basé à Paris, élève de KCS Paniker et Jean Bertholle), Alphonso Arul Doss, J. Sultan Ali, K. C. S. Paniker, K. M. Adimoolam, M. Senathipathi, S. G. Vasudev, Velu Viswanadha.

Le néo-tantrisme (à partir de 1950)

L’art tantrique constitue une catégorie à part. Il est souvent présenté comme une forme à la fois très ancienne et très conceptuelle, voire abstraite. Au départ, les tantra sont des textes prônant des rituels aux antipodes des normes de pureté brahmaniques, utilisant notamment des diagrammes géométriques.
Ces textes ont une influence sur des artistes indiens des années 50-60. Ils les interprétèrent comme des formes abstraites indiennes puis, dans le climat contreculture, comme des formes ‘transgressives’ permettant de critiquer la société indienne de l’intérieur. On sait la vogue des « spiritualités orientales » sur les mouvements hippies, mais on oublie souvent le pendant de cette mode chez les jeunes Indiens, notamment dans les milieux artistiques, dans la peinture mais aussi la poésie, la danse ou le
cinéma.
Quelques artistes néo-tantriques : P. T. Reddy, Ghulam Rasool Santosh, S. H. Raza, Mahirwan Mamtani, et Biren De.

B. Prabha, qui a commencé à peindre dans les années ’50, est une des femmes peintre majeure de son pays. La vie des femmes rurales est, au fil du temps, devenue le thème principal de son travail.
Bhupen Khakhar est l’un des principaux artistes de l’art contemporain indien. Membre du groupe Baroda, il a acquis une reconnaissance internationale pour son travail. Artiste autodidacte, il a commencé sa carrière de peintre seulement vers 35 ans. Ses œuvres sont de nature figurative, concernées par le corps humain et son identité. Artiste ouvertement gay, le problème des définitions de genre et d’identité étaient des thèmes majeurs de son travail. Ses peintures contenaient souvent des références à la mythologie indienne et à des thèmes mythologiques. Il est mort en 2003.

Parmi les artistes contemporains importants on peut également citer Laxman Pai, directeur du Goa College of Art de 1977 à 1987, Jogen Chowdhury, avec son style reconnaissable où le trait est primordial, Rameshwar Broota, Shyamal Dutta Ray, Sudhir Patwardhan (peintre et radiologiste), Nalini Malani ou Surendran Nair (surréaliste).
Parlons aussi de l’art abstrait, important en Inde, avec, par exemple Laxman Shreshtha, Nasreen Mohamedi (dans un style qui rappelle sa consœur canado-américaine Agnès Martin), Prafulla Mohanti, Sohan Qadri (a vécu à Copenhague pendant 30 ans) ou Zarina Hashmi. 

Les années 80

Dans les années 1980, les artistes indiens apportent avec eux des concepts et des styles plus récents, comme Vagaram Choudhary, Prakash Karmakar, Jahar Dasgupta, Atul Dodiya, Manjit Bawa et de nombreux autres artistes qui ont enrichi l’art moderne indien.
Devajyoti Ray a introduit un nouveau genre d’art appelé Pseudoréalisme. L’art pseudo-réaliste est un style d’art original qui a été entièrement développé sur le sol indien. Le pseudo-réalisme prend en compte le concept indien d’abstraction et l’utilise pour transformer des scènes régulières de la vie indienne en images fantastiques. La travail de T. V. Santhosh peut clairement y être apparenté.
Atul Dodiya a commencé à exposer et à vendre son travail au début des années 1980 après avoir obtenu son diplôme de la Sir JJ School of Art de Mumbai. Il poursuit sa formation académique à l’École des Beaux-Arts de Paris de 1991 à 1992 à la suite d’une bourse décernée par le gouvernement français. Il est un représentant important de l’art contemporain indien. Il est marié à Anju Dodiya.

Depuis les années 90

L’art indien a été stimulé par la libéralisation économique du pays depuis le début des années 1990. Des artistes de divers domaines ont maintenant commencé à apporter des styles de travail variés. L’art indien après la libéralisation fonctionne non seulement dans les limites des traditions académiques, mais aussi en dehors. Le marché de l’art contemporain indien connaît alors une ascension fulgurante à Delhi et Mumbai, en particulier à partir des années 2003-2005. Le marché de l’art en Inde présente l’originalité de s’être développé grâce à l’engagement du secteur privé qui s’est substitué au rôle du gouvernement dans son action de soutien aux artistes et de construction d’infrastructures culturelles. 
Dans l’Inde post-libéralisation, de nombreux artistes se sont établis sur le marché international de l’art comme le peintre abstrait Natvar Bhavsar, établi à New York depuis 50 ans, le sculpteur Anish Kapoor dont les œuvres postminimalistes gigantesques ont attiré l’attention pour leur taille (notamment sa « cloud gate » installée en 2004 à Chicago), mais aussi Subodh Gupta et sa femme Bharti Kher (œuvrant dans divers médias, peinture, sculpture, assemblages, installation, comme c’est de plus en plus souvent le cas des artistes contemporains) ou Raqib Shaw. De nombreuses maisons d’art et galeries ont également ouvert aux États-Unis et en Europe pour présenter des œuvres d’art indiennes. Et à l’inverse Christie’s, le 19 décembre 2013, a effectué sa première vente aux enchères en Inde, à Bombay…
Il n’est donc pas étonnant que, depuis les années 2000, ça foisonne. Ce serait trop long de citer tout le monde (mais peut-être quand même Jitish Kallat dont le travail comprend la peinture, la photographie, le collage, la sculpture, les installations et les œuvres multimédias), je vais donc vous laisser les découvrir dans la galerie de bas de page.

À propos d’enchères

Mais avant, et pour finir, voici un récapitulatif des artistes les plus chers de l’Inde – aux enchères. Étonnamment c’est un jeune artiste (né en 1974) qui, pour le moment, tient la corde, et cela depuis 2007 : Raqib Shaw (basé à Londres, ceci expliquant peut-être cela), avec Garden of Earthly Delights III, vendu 5,5 millions $ par Sotheby’s Londres. Mais derrière lui on retrouve toutes les « stars » du pays – avec des records beaucoup plus récents, preuve que  la peinture indienne est une valeur qui monte : Vasudeo S. Gaitonde (4,5 m$ en 2020), Syed Haider Raza (4,45 m$ en 2018), Francis Newton Souza (4 m$ en 2015), Tyeb Mehta (3,95 m$ en 2018), Bhupen Khakhar (3,3 m$ en 2019), Akbar Padamsee (2,9 m$ en 2017), Amrita Sher-Gil (2,8 m$ en 2015), Maqbool Fida Husain (2,6 m$ en 2020), Arpita Singh (2,24 m$ en 2017), Bharti Kher (1,8 m$ en 2013), Raja Ravi Varma (1,7 m$ en 2017) et Subodh Gupta (1,4 m$ en 2017), pour ne citer que les millionnaires (et ceux que j’ai peut-être oubliés).

La galerie de peintures

Voici donc un panorama de cette peinture indienne riche, du XXe siècle à nos jours, en 210 tableaux et autant de peintres, hommes et femmes. Il ne vous reste plus qu’à cliquer sur les vignettes ci-dessous. Bon voyage.

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